Ilustre yo (El blog de Dani Gómez)

SANT ANDREU DE CAP A PEUS: CASC ANTIC

2012-01-31T08:58:00.001+01:00

BOCETOS

2012-01-16T19:08:00.005+01:00

Estoy empezando a pintar con el Corel Painter 12. De momento he hecho algunas pruebas para un encargo mega-molón que ya os enseñaré:

Dos encargos

2012-01-04T13:18:00.003+01:00

Dos caricaturas por encargo.

SANT ANDREU DE CAP A PEUS: TRANSPORT PÚBLIC

2011-12-27T13:08:00.003+01:00

TRANSICIONS

2011-11-29T10:21:00.003+01:00

Cartel a contrarreloj para el último espectáculo del Esbart Maragall

ELS COLORS DE SANT ANDREU

2011-11-25T20:08:00.001+01:00

El domingo 4 de diciembre a las 18:00 se inaugura mi primera exposición. Se titula "Els colors de Sant Andreu" y podrá verse en el Bar Restaurant La Menta (Carrer Neopàtria, 43)

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Descripció/Concepte:
Il·lustrar és alhora dibuixar i donar llum a l'enteniment d'alguna cosa. De la mateixa manera que la llum es divideix en els set colors de l'arc de Sant Martí en passar per un prisma, l'exposició consta de set il·lustracions en cadascuna de les quals es destaca un d'aquests colors. Junts, per tant, il·lustren la visió de l'autor sobre la realitat polièdrica de Sant Andreu i formen un petit mostrari d'instants i paisatges d'un poble ple de vida que cal mirar detingudament per captar l'encís de la seva quotidianitat.

Primer Congreso Internacional sobre Cómic y Novela Gráfica.

2011-11-24T11:41:00.007+01:00

Mientras trabajo remodelando el artículo para ajustarlo a las normas de publicación del congreso (y cruzo los dedos para que el trabajo no sea en balde)os adjunto algunos enlaces de crónicas sobre el Primer Congreso Internacional sobre Cómic y Novela Gráfica.
Manuel Barrero: Tebeosfera
Pepo Pérez: Es muy de cómic, Parte 1 y 2
Diego Matos: V de vigilantes
Javier Meson: El coleccionista de tebeos
Canichu: Noticias desde el bar, parte 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7 y entrevista con Esther Claudio
Josep Rom: Ep! Estudis publicitaris
Y, finalmente, mi propia presentación.

JA S'APROPA LA FESTA MAJOR DE SANT ANDREU DE PALOMAR!

2011-11-22T08:57:00.003+01:00

Ilustración realizada para un díptico de la Federació d'Entitats l'Harmonia.

SANT ANDREU DE CAP A PEUS: VICTORIA PP

2011-11-20T20:30:00.001+01:00

Cantada victoria del PP... y ya sabemos lo que las gaviotas les hacen a las palomas, verdad?

TINTIN AL PAÍS DEL CINEMA

2011-11-15T12:13:00.000+01:00

La pel·lícula 'Les aventures de Tintín. El secret de l'Unicorn', a debat a la Facultat

La Facultat de Comunicació Blanquerna organitza dimarts 15 de novembre, a les 19.30 hores, a l'aula 201, una taula rodona titulada "Tintin al país del cinema. L'explotació audiovisual d'un mite de paper" .
L'acte comptarà amb la participació d'Antoni Guiral, especialista en còmics; Joaquim Noguero, periodista i comissari de l'exposició "Tintin, sentit" (2007); Josep Rom, vicedegà de la Facultat de Comunicació Blanquerna i crític de còmic; Ferran Toutain, escriptor, traductor i professor de la Facultat de Comunicació Blanquerna, i Dani Gómez, actualment en procés d'elaboració d'una tesi doctoral sobre còmics.

Aquí se puede ver la presentación que preparé para el acto
Tintín al país del cinema: l'explotació audiovisual d'un mite de paper

AVV SANT ANDREU DE PALOMAR

2011-10-13T08:51:00.005+02:00

Después del batacazo con el cartel de la Festa Major, uno que sí sale: el cartel para el 40 aniversario de la Associació de Veïns i Veïnes de Sant Andreu de Palomar.

LASER TAG

2011-10-01T20:35:00.004+02:00

Ayer jugué por primera vez al Laser tag.
Adrenalinaaaaa!!!! Quiero más!!! MATAAARRR!!! En fín, que me gustó.

P.D. Llegó el momento de admitir la verdad. Por muy molón que me dibuje siempre el tupé (ver la cabecera del blog, por ejemplo), ya hace mucho que no me lo peino. La mayor parte del tiempo mi pelo viene a ser algo así.

P.P.D. Un día de estos empezaré también a no esconder tripa en los dibujos y ya casi casi me pareceré a mi autorretrato. Ya veréis, ya!

ÉSTE NO SERÁ EL CARTEL DE LA FESTA MAJOR DE SANT ANDREU DE PALOMAR

2011-09-30T18:36:00.009+02:00

Así es, de las 15 propuestas presentadas a concurso, la mía NO ha sido la ganadora... ni tampoco una de las cuatro finalistas. :S
Me queda el consuelo de que, a mi entender, era una propuesta digna.

También me han explicado que alguien les propuso hacer una exposición con el resto de participantes. Visto el resultado, no tuve una mala idea proponiéndolo. XD
Felicidades a Marc Urtasun, el ganador del concurso. Aquí tenéis su portafolio digital.

GREEN LANTERN

2011-09-22T23:08:00.003+02:00

No entiendo porqué se le da tanto bombo a Dare Devil. Está claro que no fue el primer superhéroe con problemas de visión.

El Green Lantern original, por ejemplo. Está claro que es daltónico!

BATMAN

2011-09-20T21:31:00.003+02:00

Si Superman va a ir por ahí sin calzoncillos... Batman no debería ser menos

HIJOS DE LA ANARQUÍA

2011-09-14T00:29:00.002+02:00

Estoy enganchadísimo a esta serie!

SANT ANDREU DE CAP A PEUS: MOSQUETES BLANQUES

2011-09-10T21:20:00.001+02:00

TXERRA&NOIA

2011-09-08T10:33:00.002+02:00

SANT ANDREU DE CAP A PEUS: VILLA ROMANA EN LAS OBRAS DEL AVE

2011-09-06T10:04:00.002+02:00

UN VERANO SIN GEORGIE DANN? NO GRACIAS!

2011-07-30T13:43:00.002+02:00

Ale, para el que no lo sepa Georgie Dann estudió 8 años en el conservatorio. Ahí queda eso...

SANT ANDREU DE CAP A PEUS: LLEI OMNIBUS

2011-07-23T20:00:00.003+02:00

Última tira cómica para la revista.

SKELETOR

2011-07-18T09:33:00.004+02:00

Otro bocetillo hecho a ratos. Ya le tenía ganas a éste personaje que mola más que He-man (y lo sabes).

Cuaderno de bocetos

2011-07-08T09:01:00.003+02:00

Pues eso, un par de bocetos más o menos rápidos para estrenar una libreta la mar de maja.

P.D. Premio al frikazo del año para quien adivine el personaje del primer dibujo sin mirar en google! XD

BACK TO THE PAST

2011-06-19T22:43:00.007+02:00

Estoy seguro de haber visto esta idea en algún lugar pero no sé dónde. En fin, aquí pues mi versión del Citroën 2cv convertido en máquina del tiempo con condensador de fluzo y todo.

Actualización:
Bien! Lo encontré y...
Mierda! Mola mucho más que el mío!
Ver aquí

SANT ANDREU DE CAP A PEUS: DESNONAMENT MATÍAS

2011-06-17T00:13:00.003+02:00

Este mes el Sant Andreu de cap per avall está que se sale literalmente de la viñeta.
Gracias a la Plataforma de Afectados por las Hipotecas, diversas asociaciones de Sant Andreu y un centenar de ciudadanos, se ha conseguido posponer el desahucio de Matías González, que estaba previsto para el 14 de Junio.

BLOG OF THRONES

2011-06-10T21:52:00.001+02:00

Mi participación en la guerra de blogs propuesta por KAME HOUSE COMICS

BLACKSAD THE CAT

2011-06-04T16:40:00.003+02:00

Andaba yo por Alicante en las jornadas Unicomic cuando se me ocurrió esta aberración. Ahí estaban también Felix el gato y Blacksad. "Qué diferentes peden ser dos gatos negros con el morro blanco!" pensé, "Qué divertido sería fusionarlos." Éste es el resultado de ese momento de enajenación mental. Con todos ustedes. Blacksad the cat!

MAGNOR EL PODEROSO

2011-06-02T19:48:00.005+02:00

Me temo que por ahora el homenaje a este curioso personaje de Sergio Aragonés va a quedar inacabado porque tengo otras cosas en la cabeza. Pero tampoco quería guardarlo en un cajón así que... aquí está MAGNOR, EL PODEROSO!

SANT ANDREU DE CAP A PEUS: FELIP PUIG

2011-05-31T12:30:00.005+02:00

La última viñeta para el Sant Andreu de Cap a Peus. Aprovecho para colgarla hoy, que los indignados, han demostrado que para limpiar una plaza no hace falta moler a palos a nadie.

Yellow Kid

2011-05-26T12:44:00.005+02:00

Un dibujo para la Puerta de Tannhauser, que hacía un montón que no participaba... Esto pretendía ser un homenaje del Yellow Kid aunque... la verdad es que me ha quedado un poco pedante el bicho.

SANT ANDREU DE CAP A PEUS

2011-05-25T11:09:00.003+02:00

Nueva viñeta... y van 12!

SANT ANDREU DE CAP A PEUS

2011-05-20T11:31:00.003+02:00

Y una nueva viñeta para la revista... un poco blanda para la situación actual, pero bueno. Ya vendrán viñetas con peor leche.

LOS GANDULES

2011-05-01T21:50:00.004+02:00

El 3 de junio, dos días antes de mi cumpleaños, Los Gandules vienen a tocar a Barcelona. Por fin! Toma regalazo!!!
Y para que veáis lo requetecontento que estoy, una caricatura!

PIPA I PIPO

2011-04-19T22:01:00.002+02:00

Con todos ustedes Pipa i Pipo, mi otro blog

SONIC

2011-04-11T00:13:00.004+02:00

Más nostalgia. Esta vez de los 90. Hay que ver los buenos ratos que pasé gracias a este erizo azul en mi Game Gear. Ni Olympic Games para Wii ni puñetas, Sonic siempre será SEEEEGAAAAAAA.

SANT ANDREU DE CAP A PEUS: 10A

2011-04-05T10:51:00.004+02:00

Se siente pero a las cosas hay que llamarlas por su nombre. Mientras los referendums no sean vinculantes (y que conste que encontraría un ejercicio de salud democrática que lo fueran) la consulta no debería llamarse "Sant Andreu Decideix"... en todo caso "Sant Andreu Opina"

PEQUEÑOS ACTORES

2011-04-05T10:41:00.002+02:00

Hace ya unos meses que dibujé un par de niños exploradores para el Esplai de mi pareja. Esta vez recupero los niños para promocionar el curso de teatro de una amiga.

ALCALDABLES BCN 2011

2011-04-03T20:32:00.008+02:00

Hace 8 años, uno de mis primeros trabajos como ilustrador de prensa fue hacer unas horribles caricaturas de los alcaldables BCN 2003 en la revista Nova Ciutat Vella. Este año repito en Sant Andreu de Cap a Peus. Aquí las caricaturas de Jordi Hereu, Xavier Trias, Alberto Fernández Díaz, Ricard Gomà y Jordi Portabella.

Estos son los que hice en aquel entonces... creo que en este tiempo algo he mejorado.

NOIA Y TXERRA

2011-03-27T14:05:00.003+02:00

Sí, he fusilado vilmente el estilo de Arthur de Pins pero la invitación de boda de mis amigos Noia y Txerra lo merece.

SANT ANDREU DE CAP A PEUS: INAUGURACIÓ PLAÇA d'ORFILA, PLAÇA COMERÇ...

2011-03-19T17:56:00.003+01:00

Las dos últimas viñetas para el Sant Andreu de Cap A Peus

UNA ENTRADA DE TEATRO

2011-03-07T00:16:00.010+01:00

Estoy especialmente orgulloso de esta entrada del blog. Arriba podéis ver el cartel y a continuación las ilustraciones de la próxima obra de teatro de la Companyia Teatral No'm Tapis, nuestro primer proyecto de creación. La obra está dirigida a los niños sin olvidar a los padres, se titula Sant Jordi: la veritable historia y cuenta con guión original (Núria Català y un servidor), música original en directo(Mercè Català y Marta Cascales) y dibujos originales en directo (también, un servidor). Dirigida por Núria Català y un servidor y con las fantásticas interpretaciones de Carles Araguz y Marina Bernat, se podrá ver el 16 y 17 de abril y el 1 de mayo. Para más información podéis consultar el blog de la compañía aquí.

SANT ANDREU DE CAP A PEUS: LAUREN SANT ANDREU

2011-02-20T07:12:00.003+01:00

Última viñeta para la revista Sant Andreu de Cap a Peus. La estrella invitada del mes es Isabel Coixet... ya tenía yo ganas de meterme un poco con su cine.

HULK HOGAN

2011-02-10T23:13:00.003+01:00

Y para celebrar la entrada número 100... más nostalgia!!!

La verdad es que tenía que haber sido un bocetillo rápido pero se me ha atravesado un poco el bueno de Hogan. No siempre tiene uno el día inspirado.

JORDI BERNET

2011-02-10T09:16:00.002+01:00

Jordi Bernet no necesita presentación... ni Clara... y mucho menos Torpedo... así que ahí va.

LOS GOONIES

2011-02-06T16:44:00.004+01:00

Efectivamente! Como decía un apañero, ahora tocan Los Goonies! La emancipación de Sloth! Si es que ya no se hacen películas como las de antes! XD

TEEN WOLF

2011-02-06T03:47:00.003+01:00

Más nostalgia cinéfila ochentera...

CAZAFANTASMAS

2011-02-04T13:48:00.003+01:00

Bocetillo nostálgico para pasar mejor un día de gripe. A mí también me han moqueado Peete...

SANT JORDI

2011-02-01T14:32:00.004+01:00

Aquí os presento el cartel de la obra de teatro-cuento ilustrado que la Companyia de Teatre No'm Tapis! lleva preparando algún tiempo. Más información aquí:

CAP A PEUS: TRES TOMBS

2011-01-16T13:59:00.003+01:00

Nueva viñeta para la revista Sant Andreu de Cap a Peus.
Hoy se han celebrado los Tres Tombs de Sant Andreu de Palomar, los primeros del año, y, como es año electoral más que un desfile de carrozas y carruajes se ha convertido en un desfile de políticos... Animales, pues, ha habido.

CAP A PEUS: SANT ANDREU JAZZ BAND

2010-12-24T20:25:00.006+01:00

Nueva viñeta para la revista Sant Andreu de Cap a Peus. Este mes les toca el turno a la Sant Andreu Jazz Band, que están a punto de sacar al mercado su segundo disco. Aquí tenéis la portada original:

CAP A PEUS: PIROMUSICAL

2010-12-09T00:04:00.007+01:00

Cuarta edición del "Sant Andreu de cap per avall", la tira cómica que hago para la revista "Sant Andreu de Cap a Peus".

Como curiosidad puedo decir que bajo los bocadillos se escondían dos personajes que están de actualidad. XD

PASTORETS

2010-12-08T19:59:00.008+01:00

Cada año, desde hace eones, se representan los pastorets en el Casal catòlic de Sant Andreu y cada año, desde hace eones, se anuncia con el mismo cartel. Éste:

Al final, no sé si por amor o por odio he acabado haciendo una versión.

QUE TORNI EL CAPITÀ ENCIAM!!!

2010-12-07T03:17:00.007+01:00

Tras un intento fallido (aquí) de homenajear como se merece al Capità Enciam, aquí va el segundo intento. Y recordad: "Els petits canvis són poderosos"

y para todos aquellos que comparten el mismo cariño que yo por el personaje:

Moriu-vos d'enveja! La serie completa en DVD!!!
XD

CAP A PEUS: LLUMS DE NADAL

2010-12-04T20:13:00.004+01:00

Tercera entrega de la viñeta "Sant Andreu de cap per avall" para la revista "Sant Andreu de Cap a Peus", ésta ya con la cabecera definitiva.

Poco a poco le voy cogiendo el punto a los fondos. En ésta he utilizado la clásica perspectiva de dos puntos de fuga aunque espero que en las próximas me vaya atreviendo con encuadres más sofisticados y perspectivas más complejas.

CAP A PEUS: FESTA MAJOR DE SANT ANDREU

2010-11-21T22:03:00.005+01:00

Sant Andreu de Palomar, año 2083.
Todo ha cambiado desde aquel noviembre de 2010: un holograma substituye la cúpula de la iglesia desde que ésta se derrumbara aplastando al párroco y a varias feligresas, los coches sobrevuelan lo que antes era el Passeig de Torres i Bages, los tintes de pelo se han vuelto a poner de moda, la Unió Esportiva Sant Andreu acaba de ganar la Champions League... Un momento, todo?

No, todo no, el programa de la Festa Major sigue siendo básicamente el mismo.

CAP A PEUS: OBRES DE PLAÇA ORFILA

2010-11-12T16:34:00.005+01:00

Nueva viñeta para la revista Sant Andreu de Cap a Peus, esta vez sobre las obras de la Plaza Orfila. Además he querido hacer un homenaje a Llàtzer Escarceller, "l'avi catxondo" de Cataluña por excelencia, que falleció recientemente a la edad de 96 años. Espero que allí donde esté se encuentre al menos tan bien como entre las tetas de Regina Do Santos.

La verdad es que, aunque todavía tengo que trabajar mucho más los fondos, estoy bastante satisfecho del resultado. Ustedes dirán si con razón.

GULLIVERIANA EN BARCELONA

2010-09-30T16:09:00.005+02:00

Adelantándome a la encuesta de La Puerta de Tannhaüser os presento aquí una versión de un (EL) clásico del cómic erótico, Milo Manara.

Podéis ver el dibujo original aquí.

SANT ANDREU DE CAAARRGHHhhhh...

2010-09-24T13:13:00.004+02:00

Tras intentar contener sin éxito a la horda de zombies que pasó ayer por mi casa, el dibujo de la última entrada ha quedado así. Pobre Amadeu, me comí lo que tenía mas a mano... almenos las zapatillas siguen luciendo bien. Puede que sea un no-muerto, pero con estilo, que conste.

En realidad esta versión es un intento de juntar tres temas para el blog colectivo La Puerta de Tannhaüser: el del "autorretrato" el de los "zombies" y el de "mascota cadáver".

SANT ANDREU DE CAP A PEUS, Octubre 2010: 30 ANIVERSARI

2010-09-23T11:26:00.004+02:00

Este autorretrato es mi parte de una ilustración a medias con la otra dibujante de la revista Sant Andreu de Cap a Peus. La ilustración completa saldrá publicada en el número conmemorativo del 30 aniversario de la revista. A mis pies, podéis observar también a Amadeu, la mascota de la celebración.

Ah, y si mirando el dibujo habéis pensado a) qué zapatillas tan chulas, yo quiero unas iguales o b) que zapatillas tan horteras, es imposible que existan, aquí está la prueba de que son reales y se pueden hacer.

HOMENAJE A LABORDETA

2010-09-19T15:37:00.003+02:00

Esta caricatura la hice hará lo menos cinco años. Entonces no me imaginaba que la acabaría utilizando para homenajearle tras su muerte. Es una lástima. Se va uno de los poquísimos políticos que no dan vergüenza ajena. Descanse en paz.

ODÍN

2010-09-17T20:59:00.002+02:00

Ilustración para La Puerta de Tannhaüser. La verdad es que no estoy demasiado orgulloso de ella, pero bueno... aquí va.

SANT ANDREU DE CAP A PEUS: AMADEU, EL COLOM (II)

2010-09-17T12:58:00.004+02:00

Hace unos días os presenté a Amadeu, la mascota del 30 aniversario de la revista Sant Andreu de Cap a Peus. Aquí os presento una segunda aplicación para el personaje: la decoración de los vasos de la fiesta que se está organizando para finales de octubre.

Y así es como debería quedar cuando estén hechos los vasos

MI SUPER ABUELA (III)

2010-09-03T01:16:00.006+02:00

Éste es un pequeño dibujo que hice para la postal de aniversario de mi abuela en su 90 cumpleaños... casi nada!

.

LA VIÑETA DEL LECTOR

2010-08-04T15:08:00.006+02:00

A lo largo de esta semana, en el espacio de promoción de ilustradores y humoristas gráficos "La viñeta del lector" de La Vanguardia.es podéis ver cinco dibujos míos.

Si tenéis tiempo, podéis echar un vistazo a la ya larga lista de ilustradores, semana tras semana, han ido apareciendo en este espacio. Hay cosas muy interesantes!

SANT ANDREU DE CAP A PEUS: AMADEU, EL COLOM

2010-07-31T23:52:00.009+02:00

Dibujo para una pegatina conmemorativa para el 30 aniversario de la revista Sant Andreu de Cap a Peus. El primero es tal y como aparecerá en el próximo número de la revista y el segundo será la pegatina propiamente dicha. Abajo está el proceso.

WILL EISNER (2/2): WILL EISNER Y LA NOVELA GRÁFICA

2010-07-16T11:58:00.004+02:00

Eisner, pionero de la “novela gráfica”

Will Eisner se considera a sí mismo creador de la “novela gráfica” o, al menos, de la “novela gráfica” tal y como la conocemos hoy en día. Como él mismo explica a modo de anécdota, cuando intentaba vender Contrato con Dios a una editorial literaria se produjo la siguiente conversación:

“Así que lo llamé y le dije ‘Hay algo que quisiera enseñarte, algo que creo que es muy interesante.’

Él dijo, ‘Sí, bueno, de qué se trata?’

Surgió un hombrecillo en mi cabeza y me dijo ‘Por el amor de Dios, estúpido, no le digas que es un cómic. Te colgará.’ Por lo que le dije: ‘Es una novela gráfica.’

Él dijo: ‘Wow! Eso suena interesante. Ven a verme.’” (Eisner, 2004)

Encontramos otros ejemplos de ello en la entrevista entre Frank Miller y Will Eisner cuando Miller le dice que Contrato con Dios fue un punto de inflexión a partir del cual los autores de cómic comenzaron a considerarse novelistas, Eisner contesta:

“Bueno, yo lo intentaba, pero no era consciente de que estaba comenzando una revolución. Sabía que lo que estaba haciendo era algo diferente porque mi intención era que fuese diferente, y porque estaba hablando a un lector completamente diferente.” (Eisner, 2006, p.44)

En otro momento Eisner afirma:

“Lo que yo saco de todo esto es que aquí tenemos un medio que proporciona un vehículo para expresar ese tipo de cosas. Siempre ha tenido esa capacidad, pero ahora, gracias a gente como tú [Frank Miller] (gracias a Art Spiegelman, gracias a Scott McCloud, Chris Ware, a personas así) toda esta gente nueva ha tomado este medio como un vehículo para expresarse. Hubo ésta sensación en el aire antes… en 1935 cuando yo empecé, había gente por ahí con los mismos sentimientos, los mismos desengaños, la misma angustia (…). De hecho, lo único que me da envidia de todo esto es que yo bajé a este valle antes que nadie, y ahora todo el mundo viene al valle y construye cosas a mi alrededor. ” (Eisner, 2006, p.166)

Sin embargo, Eisner, cita dos corrientes anteriores que sirven de precedente directo. Por un lado tenemos los libros ilustrados como, por ejemplo, El príncipe valiente de Harlord Foster, del que Eisner dice lo siguiente:

“Los libros ilustrados gozaban de más consideración que la historieta y esa técnica tenía la ventaja de conservar la integridad del texto. (…) El formato se inspiraba en el cómic, pero la narración se sustentaba esencialmente del texto” (Eisner, 1998, p.135)

Por el otro lado tenemos la narración gráfica de autores como Frans Masereel u Otto Nücke (aquí Eisner no utiliza el término “narración gráfica” genéricamente sino como formato concreto basado en la sucesión de imágenes y sin el uso de palabras). Will Eisner sostiene, por ejemplo, que quedó profundamente impresionado por el Frankentein de Lynd Ward y que sus “esfuerzos en el mundo del cómic son un intento de expandir o extender la novedosa premisa de Ward.” (Eisner, 1997, p.5) Dicha expansión consistiría en la aplicación del lenguaje del “Arte Secuancial” a las historias enteramente gráficas.

“La novela gráfica, tal como la conocemos hoy, consiste en una combinación de texto, ya sea de apoyo o diálogos (bocadillos) y de dibujo desplegado secuencialmente. Pero en sus principios, la narración gráfica prescindió totalmente de la palabra.” (Eisner, 1998, p.138)

“Al considerar la novela gráfica se nota que la mayor parte de la narración corre a cargo del dibujo. La difusión de los comic books nos ha acostumbrado a una oposición texto-imagen en la narración de la historia. Tras el éxito que obtuvo, esa mezcla de géneros destronó rápidamente a la narración enteramente gráfica y dio nacimiento a la novela gráfica tal y como la conocemos hoy día” (Eisner, 1998, p.141)

Resulta curioso el hecho de que la denominada “novela gráfica” que, según Eisner, tiene mucho de acercamiento del cómic a la literatura, tenga sus orígenes en un formato completamente gráfico y que sea gracias a la influencia del cómic convencional que la palabra es introducida.

La novela gráfica: entre el cómic y la literatura

Para Will Eisner, a lo largo de la historia del cómic se produce un acercamiento del cómic a la literatura. Eisner afirma que la publicación de Spirit fue para él la confirmación de la potencialidad literaria del medio.

“En 1939, llevaba mucho tiempo convencido de que estaba liado con un medio que tenía un verdadero «potencial literario». (…) Publicar en los grandes periódicos de la nación iba a proporcionarme un público adulto y la oportunidad de escribir y dibujar historias mucho más sutiles” (Eisner, 2002, p.7)

Según Eisner el underground fue el primer movimiento que empezó a hacer lo que él consideraba literatura y, por tanto la demostración de que el potencial que había predicho podía hacerse realidad.

“No fue hasta que llegaron los cómics underground, en los setenta cuando la gente empezó a hacer lo que yo considero literatura. Eso fue lo que me trajo de vuelta al medio. (…) Lo que estaban haciendo era tratar sobre la temática social real, por primera vez. El dibujo era en muchos casos algo muy basto, y el guión muy ridículo, pero trataban problemas sociales en este medio. Lo utilizaban como un medio literario. Antes de eso, los cómics habían sido un medio de entretenimiento, que así era como se les había considerado siempre. Siempre habían sido un medio de entretenimiento. Creo que esos son unos grandes cambios.” (Eisner, 2006, p.183)

El movimiento underground animó a Eisner a regresar al mundo del cómic con una nueva protesta, una tentativa de demostrar al mundo no sólo que el cómic era literatura sino que podía ser tan bueno como cualquier novela: la novela gráfica.

“La novela gráfica fue mi tentativa de demostrar que el cómic es una forma válida de literatura capaz de dirigir su contenido más allá de las simples historias de entretenimiento. El cómic, dentro de las limitaciones de su lenguaje, puede aspirar al mismo nivel literario que cualquier novela.” (Eisner; Vidal, 2002)

En realidad, cuando Eisner habla de acercamiento a la literatura, lo hace en función de dos parámetros básicos: por una parte la calidad (que él denomina nivel literario) y por otra la temática. Como decía en el post anterior, siendo el cómic un medio en sí mismo es un error valorar un cómic en función de lo cerca o lejos que esté de la literatura (incluso si hubiera realmente una forma de medir esa distancia). Por otro lado no puede considerarse la literatura como un absoluto de calidad. Como en todas las industrias culturales (dejando de lado el hecho que la literatura disponga de algunos siglos más de bagaje en los que acumular clásicos y formar un canon) se publican obras que abarcan todo el rango de calidades, temáticas y públicos imaginables. Demasiado a menudo se confunde la literatura con el conjunto de obras que forman el canon literario y el canon literario con algo útil.

Los temas propios de la novela gráfica:

Will Eisner asocia, por una parte, cómic y literatura y, por otra, literatura y «temas serios». Para Eisner, una vez que el cómic ha dejado de ser novedad como medio, debe dedicar sus esfuerzos a asumir un nivel intelectual superior.

“Ya no somos algo novedoso así que, por lo tanto, lo que los nuevos guionistas tienen que hacer es, trabajando dentro de este medio, dar con historias que tengan más importancia intelectualmente.” (Eisner, 2006, p.183)

“Creo que ahora mismo estamos en un momento de cambio. En un momento de cambio en la historia de este medio. (…) Habrá gente estupenda que llegará a este medio, gente que sabe escribir, que tiene algo que decir, y que no está interesada necesariamente en el entretenimiento; en hacer una aventura emocionante o una de policías y ladrones o lo que sea. Sino que esté interesados en contar algo serio.” (Eisner, 2006, p.347)

“Es un debate interminable el de hasta dónde pueden llegar los cómics al tratar un ‘tema serio’. Por suerte, el aumento del número de dibujantes y guionistas serios que han sido atraídos por los cómics es testimonio elocuente del potencial de este medio” (Eisner, 1998, p.4)

Dichas aspiraciones literarias que, según Will Eisner, comienzan con el movimiento underground, suponen para él, la maduración del medio. Los temas serios a los que hace referencia y que convierten al cómic en un medio para adultos tienen en común una perspectiva realista.

“Entre los años 1965 y 1990, los cómics se esforzaron por alcanzar un serio contenido literario. Todo empezó con el polémico movimiento underground de dibujantes y guionistas que trataron directamente con el mercado. (…) Significó el principio de la maduración del medio. Por fin el cómic buscaba vérselas con temas que hasta entonces habían sido considerados sólo propios del libro, el teatro o el cine. La autobiografía, las reivindicaciones sociales, las relaciones humanas y la historia eran temas por los que ahora se interesaban los cómics. Empezaron a proliferar novelas gráficas dirigidas a ‘los adultos’. La edad media de los lectores fue en aumento. El mercado para la innovación y los temas adultos amplió sus fronteras.” (Eisner, 1998, p.4)

Sobre Contrato con Dios, Eisner afirma: “En este libro, me he esforzado por conseguir una narrativa que trata temas personales. (…) Los protagonistas y acontecimientos de estos relatos son gente y hechos que me gustaría que se aceptaran como reales.” (Eisner, 1997, p.6)

Partiendo de la base de que el cómic es capaz de tratar cualquier temática, con cualquier nivel de profundidad y para cualquier tipo de público, es lógico pensar que a lo largo de la historia del medio, a medida que determinados géneros y enfoques acaparaban el mercado, ha sido necesaria una reivindicación de dicho potencial. Dejando de lado el debate de si hoy en día sigue siendo necesario insistir en la reivindicación de un cómic dirigido a un público adulto, con lo que no puedo estar de acuerdo es con la asociación entre literatura/tema serios/realidad. En primer lugar porque la literatura, como medio de expresión artística, puede abarcar, y de hecho abarca, todas las temáticas posibles, todo el rango de edades, todos los niveles de “seriedad” (si es que puede medirse la seriedad de un texto). En segundo lugar porque el realismo no es garantía de profundidad ni de seriedad y, mucho menos de calidad. En tercer lugar porque el cómic merece ser valorado por lo que es y no en función de lo cerca o lejos que esté de la falsa imagen de otro medio. Lo que presenciamos aquí, por tanto no es la reivindicación del cómic como medio, sino un intento de imitar la imagen idealizada de otro medio y, por tanto, una reafirmación del complejo de inferioridad del cómic.

Distribución y formato de la novela gráfica: acordes con la literalidad del medio.

Para Eisner, amparándose en los gustos del lector adulto y con la literatura como horizonte del cómic, el formato de una novela gráfica debería ser el mismo que el de una novela.

“Al lector adulto no le gusta leer una novela gráfica de 18x26 porque es como un cómic. Pero le gusta ver una novela gráfica de 15x23 porque todas sus novelas están en 15x23” (Eisner, 2006, p.14)

Eisner afirma por una parte que el cambio de formato, especialmente el progresivo aumento de espacio para explicar las historias a lo largo de la historia del cómic, supuso el aumento de la sofisticación literaria.

“A raíz de la recopilación de las tiras de prensa publicadas en los periódicos, el material de la recopilación de las tiras de prensa publicadas en los periódicos, el material del comic book no tardó en evolucionar hacia historias largas, hasta llegar a las novelas gráficas. Esta última variante ha pesado mucho sobre el dibujante y el guionista, exigiéndoles una mayor sofisticación literaria.” (Eisner, 1998, p.3)

Pero el progresivo aumento de páginas no es suficiente. Para Eisner, su trabajo con Contrato con Dios fue decisivo en la aparición de la «novela gráfica» también por haber roto con las límites de los formatos tradicionales.

“Al contar esas historias, he querido adoptar una regla del realismo que quiere que la caricatura o exageración se ciña a los límites de la realidad. Para lograrlo tuve que desechar dos constricciones básicas que tan a menudo reprimen este medio: el espacio y el formato. Por consiguiente, escribí cada una de las historias sin tener en cuenta el espacio y, asimismo, cada cual desarrolló su propio formato.” (Eisner, 1997, p.6)

Más allá de la calidad literaria, donde sé juega un papel importante el formato es en la distribución. Para Will Eisner el mercado de venta directa de cómics, es decir, las tiendas especializadas, está muy por debajo del mercado de literatura en general. Eisner, que considera que el cómic es literatura, defiende que pueda ser vendido en las tiendas de libros no especializadas en cómics.

“[lo comercial de verdad] está ‘más allá’ del mercado directo; es como cuando los esclavos miraban a los blancos que estaban ahí, colina arriba. Por eso yo siempre digo que quiero estar con los blancos de la colina (…). Es un mercado diferente, totalmente diferente, y forma parte de una manera de vender totalmente distinta.” (Eisner, 2006, p.152)

Y llegamos por fin a lo que considero el verdadero quid de la cuestión. El verdadero sentido de la novela gráfica es, en mi opinión, el acceso del cómic a las librerías no especializadas. La novela gráfica, tal y como viene siendo definida no aporta absolutamente nada que el cómic no fuera capaz de hacer, al menos potencialmente. Si bien el cambio de formato era necesario para este cometido, toda la argumentación sobre la literalidad, la madurez, la calidad de la novela gráfica me parece más una (brillante, eso sí) estrategia de posicionamiento de producto orientado al usuario (Olamendi, 2010, p.2) que una argumentación sólida en la que sustentar la teoría del cómic.

Bibliografía:

EISNER, W. “Prefacio” en EISNER, W. Contrato con Dios. Norma Editorial, 1997 (1978)

EISNER, W. El cómic y el arte secuencial. Barcelona, Norma editorial, 1996 (1985)

EISNER, W. La narración gráfica. Barcelona, Norma editorial, 1998 (1996)

EISNER, W. “The Spirit: cómo surgió” en EISNER, W. Los archivos de Spirit Vol. 1. Norma Editorial, 2002 (2000)

EISNER, W.; VIDAL, J. “El cómic puede aspirar al mismo nivel literario que cualquier novela” [En línea] El País Digital. 25 de enero de 2002. <http://www.elpais.com/articulo/semana/EISNER/_WILL/comic/puede/aspirar/mismo/nivel/literario/cualquier/novela/elpepuculbab/20020126elpbabese_1/Tes>. [Consulta 7 de Julio de 2010]

EISNER, W. “Keynote address from the 2002 ‘Will Eisner Symposium’” [En línea] ImageTexT: Interdisciplinary Comic Studies. Num.1 Vol.1, 2004. <http://www.english.ufl.edu/imagetext/archives/v1_1/eisner/>. [Consulta 7 de Julio de 2010]

EISNER, W.; MILLER, F. Eisner/Miller: Entrevista modernada por Charles Brownstein. Barcelona: Norma Editorial, 2006 (2005)

MURO MUNILLA, M. A. Análisis e interpretación del cómic. Ensayo de metodología semiótica. La Rioja: Universidad de la Rioja, 2004.

OLAMENDI, G. “Estrategias de posicionamiento” [en línea] www.estoesmarketing.com 2010. http://www.estoesmarketing.com/Estrategias/Posicionamiento.pdf [Consulta 16 de Julio de 2010]

VIDAL-FOLCH, I; DE ESPAÑA, R. El cánon de los cómics. Barcelona: Glénat, 1996.

WILL EISNER (1/2): WILL EISNER Y EL CÓMIC

2010-07-15T16:00:00.003+02:00

Will Eisner (1917-2005), testigo privilegiado de la evolución del cómic a lo largo de su historia, es uno de los autores que más ha insistido en la necesidad de reconocimiento del cómic como arte. Tanto desde una perspectiva teórica (El cómic y el Arte Secuencial y La Narración gráfica) como práctica (Spirit, Contrato con Dios, El soñador…), Will Eisner ha defendido siempre la calidad “literaria” del cómic. Suele considerársele “el padre de la novela gráfica”. En este compendio de citas de Eisner podéis encontrar un resumen de su perspectiva teórica comentadas por un servidor.

De artistas de vodevil a artistas a secas:

La tradicional (y difícilmente rebatible a pesar de los progresos) falta de reconocimiento del cómic como medio o como arte, es uno de los pilares más importantes sobre los que se sustenta la actual tendencia teórica hacia el término de la «novela gráfica». Explica Eisner que, cuando se publicó Spirit por primera vez, en 1940, fue entrevistado por el Baltimor Sun. Ya entonces intentó defender la tesis de que el cómic era un medio artístico literario. Sin embargo, las reacciones que suscitaron sus afirmaciones dan buena cuenta de que Eisner iba muy por delante de sus contemporáneos:

“Y los tipos aquellos se me rieron a la cara diciéndome: ‘Qué intentas demostrar, Will? ¿Quién te crees que eres?’ [El humorista gráfico] Rude Goldberg me dijo que eso que yo decía era una chorrada. ‘Joder, chico, eres un artista de vodevil. No olvides que esto es un vodevil.’” (Eisner, 2006, p.163)

Pero no sólo las personas ajenas al cómic opinaban de ese modo. A juzgar por las declaraciones de Eisner, a menudo, la baja consideración de la historieta tenía como raíz a los propios autores. La mayoría de ellos no trabajaban en el cómic vocacionalmente sino, simplemente, como una forma de ganar algún dinero mientras aspiraban a cosas más “serias” y mejor pagadas como, por ejemplo, ilustrar el Saturday Evening Post (Eisner, 2006, p.187-188).

[Durante la década de 1940] Nadie en el medio, trabajando en el medio por entonces, hubiera pensado en él como medio. Nadie reconocía o aceptaba el hecho que esas ilustraciones, esa maravillosa combinación de palabras e imágenes presentadas en una secuencia inteligente, era realmente una forma de arte o, como me gusta decir, una forma literaria” (Eisner, 2004)

En la entrevista que mantuvieron Will Eisner y Frank Miller, Eisner comparaba la situación de los creadores de cómic con los esclavos que deseaban estar en la colina donde estaban los blancos (aunque no hace referencia tan solo a la mentalidad sino también a los canales de distribución, de los que hablaremos más adelante) (Eisner, 2006, p.162) mientras que Miller lo llamaba la “enfermedad de la baja autoestima” (Miller, 2006, p.168).

“En aquel entonces, sostener que el cómic era una forma artística, o sencillamente tratar de defender su valor, pasaba por ser una presunción disparatada, tachada de ridícula. Ahora bien, con el paso de los años, el reconocimiento y la aceptación dieron su fruto, y el arte secuencial se encuentra a un paso de incorporarse a la cultura del sistema.” (Eisner, 1997, p.5)

Pese a todo, admite Eisner, aún queda mucho trabajo por hacer. El cómic, tanto en el terreno de la literatura, como en el de la pintura, sigue sin ser considerado como se merece.

“En general, y por motivos que tienen mucho que ver con la costumbre y la temática, el Arte Secuencial ha sido desdeñado, considerándosele indigno de serio debate. Mientras que sus principales elementos integrantes; a saber, la concepción, el dibujo, la caricatura y la escritura, han recibido consideración académica por separado, la combinación de todos ellos ha obtenido un lugar insignificante en el mundo literario y en el artístico.” (Eisner, 1996, p.5)

“Aún se nos considera un medio artístico inferior. Arriba del todo está el óleo, luego está el aguafuerte, luego el grabado en madera, luego la serigrafía, y al final los cómics” (Eisner, 2006, p.162)

El último escollo por superar, afirma Eisner, es el del reconocimiento académico.

“El futuro del medio pende del soporte del mundo académico porque, para que el medio crezca y madure como hasta ahora necesita la atención y el interés de aquellas personas que, en el mundo académico, son capaces de disecarlo [¿?], discutirlo, reconocerlo y evaluarlo; [aquellas personas que] establecerán un estándar al que aspiren los jóvenes artistas del cómic.” (Eisner, 2004)

Partiendo de la base que el cómic debe ser reconocido como un medio de expresión artística tan válido como cualquier otro, en mi opinión, el cómic no debe depender de que dicho reconocimiento sea concedido por la academia literaria o artística sino que el cómic debe contar con una crítica y una teoría propias.

El cómic es un medio en sí mismo, una forma artística que tiene un lenguaje propio que va más allá del uso de la palabra y, por lo tanto, debe valorarse independientemente de cualquier otra forma artística. Por supuesto, tanto a nivel creativo como teórico, siempre habrá cierta porosidad entre medios eminentemente narrativos, especialmente cuando comparten ciertas partes de su lenguaje. El cineasta D. W. Griffith, por ejemplo, se inspiró en Dickens para crear el montaje en paralelo. Estos trasvases deben entenderse como un diálogo entre iguales, no como una dependencia de la literatura.

El cómic como medio

Cuando, en 1940, Will Eisner emprendió la publicación de Spirit como suplemento dominical, intentó dirigirse a un público más adulto del que solía leer cómics. En consecuencia, trató de explicar historias que fueran más allá de la persecución y la venganza típica de los superhéroes que poblaban los comic book. A nivel narrativo, Spirit se convirtió en una plataforma ideal para la experimentación con el lenguaje del cómic.

“En retrospectiva, me doy cuenta de que estuve trabajando tan sólo en una idea central: que el medio, la disposición de palabras e imágenes en el arte secuencial, era una forma artística en sí. La historieta es un medio único en su género, con estructura y personalidad propias, que puede tratar cualquier tema, por intrincado que sea” (Eisner, 1996, p.5)

Para Eisner, el cómic book y las tiras de prensa son manifestaciones de lo que él denomina “Arte Secuencial”. A su vez el Arte Secuencial se encuentra dentro de los límites de la “narrativa gráfica”, espacio que comparte con el cine.

El Arte secuencial es un “medio de expresión creativa, materia de estudio diferente, forma artística y literaria que trata de la disposición de dibujos o imágenes y palabras para contar una historia o escenificar una idea.” (Eisner, 1996, p.5)

La narración gráfica es “descripción genérica de cualquier narrativa que se sirve de la imagen para transmitir una idea. Tanto el cine como el cómic recurren a la narración gráfica.” (Eisner, 1998, p.6)

Dicho de otro modo, en la “Narración Gráfica” pone el énfasis en la transmisión de una historia mediante imágenes mientras que en el “Arte Secuencial” pone el énfasis en la transmisión de una historia (o idea) mediante la combinación de palabra e imagen. A juzgar por sus escritos, a menudo demasiado ambiguos en el uso de los términos, la idea del cómic como medio queda en algún punto intermedio entre ambas.

“Para mí, el medio trata de comunicar historias con imágenes, con una combinación inteligente de palabras e imágenes. Eso todos nosotros lo sabemos muy bien.” (Eisner, 2006, p.333)

“Para mí, el cómic es una forma de contar una historia. Es una forma de escribir. Es un lenguaje. (Eisner, 2006, p.332)

En mi opinión, incluir el cómic y el cine bajo el gran paraguas de la narración gráfica es un error, ya que no se tiene en cuenta la gran influencia que tiene la palabra en la creación del sentido de la obra. Más acertada, aunque no suficiente, me parece la perspectiva de Miguel Ángel Muro Munilla quien habla de los cómics como “textos narrativos literario-icónicos” (Muro, 2004, p.63). Sin embargo, aunque la gran mayoría de los cómics tienen carácter narrativo, sus posibilidades no acaban ahí. Además, no debería confundirse el carácter verbal de una parte del lenguaje de los cómics con la pertenencia a la literatura como arte. Por todo ello, yo optaría por definir el cómic como un medio de expresión artística basado en un lenguaje icónico-verbal.

El delicado equilibrio entre palabras e imágenes.

Will Eisner afirma en varias ocasiones que el lenguaje del cómic se basa en la transmisión de una historia mediante la combinación de palabras e imágenes. Según el autor, de alguna manera, el interés por cada uno de dichos componentes es inversamente proporcional al interés por el otro.

“Cuando la pirotecnia visual y los trazos de alta tecnología dominan el cómic, el resultado suele ser una historia muy sencilla.”

“Lo que ves ahora [en las editoriales pequeñas] son ideas sofisticadas con un dibujo básico, cuando yo empecé teníamos un dibujo sofisticado con ideas muy básicas.” (Eisner, 2006, p.192)

Para Eisner, la primacía del dibujo sobre la historia es tradicional en la industria del cómic y es, además una de las causas de que el cómic haya sido considerado una “amenaza contra la alfabetización” (Eisner, 1998, p.3) por algunos sectores tradicionalistas de la cultura incapaces de entender la imagen como medio de comunicación, como texto (en un sentido amplio) cuyo mensaje puede ser “leído”.

“La primacía del dibujo en el formato de cómics tradicional hizo que se pusiera más énfasis en el grafismo que en su contenido literario.” (Eisner, 1998, p.3)

“(…) en la época en la que crecí el buen dibujo se consideraba la cumbre de nuestro trabajo. Si estaba bien dibujado, todo el mundo te decía que con eso bastaba. Ahora, las ideas son lo importante.” (Eisner, 2006, p.193)

A un lector interesado en los efectos gráficos o el dibujo virtuoso, le basta con eso. En realidad, un argumento con mucha ‘densidad’ puede llegar a ser un impedimento. Para obtener este resultado, el dibujante precisa del guionista un pequeño tema que se centre en un solo problema, como esos argumentos que se limitan a persecuciones o venganzas.” (Eisner, 1998, p.26)

Al contar con su propio lenguaje icónico-verbal, es un error valorar el cómic en función de la imagen o de la palabra por separado. Por supuesto, ya lo era cuando se consideraba que el dibujo es lo más importante pero también cuando se considera, como hacen Ramón de España e Ignacio Vidal-Folch en El cánon de los cómics, (Vidal-Folch y de España, 1996, p.11) que lo importante es exclusivamente el guión literario. En el cómic, la palabra y la imagen construyen el sentido juntas por lo que no pueden separarse la una de la otra.

La lectura del cómic:

No es de extrañar que Will Eisner hable de lectura del cómic ya que, por una parte, es un medio al que considera literario y por otra se refiere a lectura en un sentido amplio según el cual el cómic, mediante imágenes y palabras, forma un texto semiótico.

“Se espera de los jóvenes lectores una fácil comprensión de la combinación imagen-palabra y el tradicional desciframiento del texto. A los comics de les puede llamar ‘lectura’ en un sentido más amplio del que se suele entender por esta palabra” (Eisner, 1996, p.7)

La lectura de un cómic es, debido a la naturaleza dual del lenguaje que lo conforma un proceso complejo.

“El comic book consiste en un montaje de palabra e imagen, y, por tanto exige del lector el ejercicio tanto de su facultad visual como verbal.” (Eisner, 1996, p.8)

Sin embargo, Eisner, que por una parte defendía que el texto pudiera ser entendido de la manera más amplia posible, utiliza este argumento como demostración de la naturaleza literaria del cómic.

“El proceso de lectura en cómic es una extensión del texto. La lectura de un libro supone un proceso de lectura que convierte la palaba en imagen. Eso se acelera en el cómic, que ya proporciona la imagen. (…) Esta peregrina forma de lectura merece, de todas todas, ser considerada como literatura, ya que se sirve de imagen como si fuera un lenguaje. Puede apreciarse su relación con la iconografía y pictografía de la escritura oriental.” (Eisner, 1998, p.5-6)

En semiótica un texto es considerado “un artificio sintáctico-semántico-pragmático cuya interpretación está prevista en su propio proyecto generativo” (Eco citado en Muro, 2004, p.29). Los signos que lo forman no tienen por qué ser de naturaleza exclusivamente verbal, por lo que en sentido amplio, un cómic entra, sin reparo posible, en dicha definición. Menos acertado está Eisner a la hora de considerar este hecho como prueba de la naturaleza literaria del cómic, al contrario, considerar al cómic como un texto en el sentido semiótico, no pone al cómic por debajo de la literatura en lo que se refiere a su capacidad para vehicular un sentido, lo pone al mismo nivel.

La escritura del cómic:

De la misma manera que hablamos de “lectura del cómic” podemos hablar de “escritura del cómic”.

“El cómic es un medio que emplea una sofisticada combinación de textos e imágenes. Cuando en un relato sólo existe el texto se puede alcanzar una gran profundidad, detalle y economía de espacio, pero las imágenes pueden aportar al lector una gran carga emocional” (Eisner; Vidal, 2002)

A pesar de la discutible distribución texto-profundo/imagen-emocional, Eisner apunta que la combinación entre palabras e imágenes debe formar un todo homogéneo. Palabras e imágenes trabajan juntas en la elaboración del sentido del «texto semiótico». Eisner llega al extremo de defender la idea de un creador único para asegurar tanto el texto como el dibujo estén al servicio de la idea original.

“Por lo general, la escritura se percibe como la manipulación de la palabras. Escribir una historieta es faena más compleja, pues se trata en principio de desarrollar un concepto, de describirlo y de construir la cadena narrativa que llevará de las palabras a las imágenes. El diálogo sostiene el dibujo, pues tanto uno como otro están al servicio de la historia. Ambos se combinan para formar un todo homogéneo. La escritura ideal sólo se da cuando el guionista y el dibujante son la misma persona. Ello conlleva la ventaja de reducir el tiempo entre la idea y su adaptación. Así, el producto se encuentra lo más cerca posible de la intención del creador.” (Eisner, 1998, p.111)

Para Eisner la letra impresa es un canal que no modifica la idea en su transmisión mientras que la imagen sí lo hace.

“Hay una diferencia esencial entre la escritura de un libro y la de una historieta: al contrario de las imágenes, la letra impresa no modifica la calidad de la historia, la letra impresa no influye en la narración, pero la imagen sí.” (Eisner, 1998, p.112)

Podemos entender, por tanto, que, para Eisner, la figura del creador se correspondería con la del guionista mientras que el dibujante tendría la función de adaptar la idea en imágenes. Este desequilibrio en las funciones de cada miembro del equipo también apoya la concepción del cómic como medio literario. Sin embargo es un argumento que, en función de lo dicho hasta ahora, cae por su propio peso.

DECÁLOGO DEL CÓMIC (revisado)

2010-07-13T15:54:00.009+02:00

Aquí dejo una propuesta de decálogo sobre el valor e independencia del cómic. Reconozco que va a la contra de lo que suele decirse últimamente y que es un poco provocador. Mi intención con él es más crear debate que dictar sentencia. Es una hipótesis de trabajo y seguramente haré alguna corrección pero aún así es lo que pienso.

1. El cómic es un medio de comunicación.

2. El cómic tiene un lenguaje propio basado en la combinación de imágenes y palabras. El sentido que vehicula dicha combinación va mucho más allá de la suma de los sentidos de esas imágenes y palabras, por lo que no debe ser entendido como relatos literarios ilustrados.

3. En un cómic las imágenes y las palabras deben servir a la idea o historia. La importancia de cada una de las partes vendrá en función de esa idea, pudiendo incluso desaparecer alguna de las partes durante el tiempo que sea necesario.

4. El cómic no depende del cine ni de la literatura, ni requiere del aval de cualquier otro medio. Por ejemplo, un cómic puede ser tan bueno (o tan malo) como cualquier novela. Eso no significa que el valor de un cómic vaya en función de lo cerca o no que esté de la literatura. Como medio independiente precisa de su propia crítica y teoría.

5. El cómic puede desarrollarse en diferentes formatos (tiras, páginas dominicales, comic book, webcomic, libro, etc.). No debe confundirse el contenido con la forma, aunque dichos formatos condicionan tanto la forma de lectura y los contenidos.

6. El cómic es un medio especialmente dotado para la narrativa aunque sus posibilidades no se agotan en la narrativa.

7. El cómic puede abordar cualquier temática.

8. El cómic pude dirigirse a cualquier público.

9. El uso que haga el autor o autores de las posibilidades expresivas disponibles en el lenguaje junto con la expansión de dicho abanico de posibilidades (y no el público al que va dirigido) es lo que marca la madurez de un cómic.

10. Teniendo en cuenta todo lo anterior, para qué necesita el cómic la novela gráfica?

Dr. FREDRIC WERTHAM

2010-07-05T01:04:00.004+02:00

Esta es mi colaboración para La puerta de Tannhaüser. El tema de esta quincena es "famosos hijos de puta". Y, a quien he elegido yo para tan pomposo título? Pues nada más y nada menos que al Dr. Fredric Wertham. Este psiquiatra, en plena era McArthy, fue una de las caras visibles de una durísima campaña contra el cómic. Entre otras lindezas, en su libro "Seduction of the innocent" acusaba el cómic de ser una de las principales causas de criminalidad juvenil. Luego vinieron, las audiencias en el senado, las fogatas alimentadas con comic books, el código de autocensura, la caída del sello EC, etc.

ADULT COMICS, AN INTRUDUCTION (1): PREMISAS

2010-06-28T15:48:00.005+02:00

Introducción:

En los últimos años la imagen de los cómics como producto barato, desechable, acrítico e infantil, ha ido cambiando a medida que se desarrollaba una nueva clase de cómics adultos cuyos objetivos son mucho más ambiciosos. Los medios se han hecho eco de éste fenómeno creando el cliché de que los comics “maduraron” a mediados-finales de los 80. Roger Sabin, anuncia en la introducción que su intención es demostrar que la historia de los cómics destinados a un público mayor se inicia en el siglo XIX y que la “revolución adulta” de la que hablan los medios no es más que un paso más en la compleja evolución del medio. (p.1)

Para ello comienza delimitando su objeto de estudio a las publicaciones periódicas orientadas a un público adulto (descartando las tiras cómicas de periódicos y revistas, por una parte, y los cómics orientados al público infantil y juvenil, por la otra). Sabin se muestra en desacuerdo con el término “cómic adulto” puesto que los cómics, como cualquier otro medio, pueden ser leídos a diferentes niveles (p.2). De la misma manera que no se habla de televisión adulta o de librerías adultas, sería más adecuado distinguir entre comics infantiles y cómics para los lectores en general. Además el concepto de "adulto" es una arbitrariedad. Aún así, el término “cómic adulto” es el que la industria prefiere. (p.3)

Qué es el cómic?

El ingrediente fundamental del cómic es lo que Sabin denomina «comic strip». La traducción literal al español sería “tira cómica”, sin embargo éste término está comúnmente asociado un producto muy concreto: el del cómic o las viñetas en prensa. Ésta está formada por una secuencia narrativa de imágenes (a menudo, pero no siempre, acompañadas de texto). En cuanto a la extensión, puede ir de una sola viñeta hasta miles de ellas. El cómic per se es una publicación en forma de folleto, tabloide, revista o libro que incluye como elemento principal una o más secuencias de viñetas. Normalmente los cómics son publicados periódicamente y a precios baratos con tal de acceder a la mayor audiencia posible. (p.5)

Las «comic strips» suelen compartir ciertas convenciones visuales como las viñetas enmarcadas (que dividen la acción en fragmentos legibles), los bocadillos de diálogo y pensamiento, las líneas cinéticas, y varias formas de simbolismo gráfico. (p.5)

El texto también tiene sus convenciones. Existen tres tipos básicos de lenguaje textual en el cómic: narrativo (lo que en España conocemos como “cartela”), diálogo y efectos sonoros (a menudo onomatopeyas), cuyo tamaño puede ser variado para sugerir volumen. (p.5)

En lo que se refiere a los contenidos, para Sabin, la mayoría de las «comic strips» son básicamente narrativas, es decir, que explican historias. Para la narración de dichas historias en «comic strips» predomina el uso del lenguaje «cinemático». Sabin matiza que, aunque la analogía con el cine es útil, hay que tener en cuenta que ambas formas se desarrollaron independientemente. En lo que respecta a la composición el cómic suele utilizar planos de situación, primeros planos, panorámicas, etc; así como diferentes “ángulos de cámara”. Las técnicas de montaje también asociadas con el cine también son utilizadas. La ventaja del cómic sobre el cine, afirma Sabin, es que universos enteros pueden ser creados mediante el trazo sin tener que considerar más coste que el de la tinta. (p.6)

Lo cual, en mi opinión, es un cliché tan extendido como falso ya que no tiene en cuenta que un dibujante no dedica el mismo tiempo en dibujar el plano de situación de una multitud armada con horcas y antorchas avanzando por el bosque que en dibujar el plano detalle de una pupila. El hecho de que el coste de ese tiempo sea descartable dice más en contra de la política de pagos de las editoriales que en favor del cómic en sí. Dicho de otro modo, por más que algunos conceptos de la teoría del cine sean trasladables a la teoría del cómic (ya que ambos son medios que, aunque no exclusivamente, están especialmente dotados para la narración y ambos se sirven de la imagen como parte de su lenguaje), el cómic no es, como se ha afirmado tantas veces, el cine de los pobres.

Sabin afirma, que las características citadas, incluso las más propias, no deben ser consideradas condición sine qua non y que su definición, aún defectuosa sirve de punto de partida para observar algunas capacidades narrativas del cómic. Para empezar, una «comic strip» puede comprimir o extender el tiempo. (p.7)

Las «comic strips» también son capaces de ciertos trucos narrativos. Las palabras e imágenes no tienen porqué referirse a la misma cosa y los creadores pueden jugar con la juxtaposición para crear una variedad de modos dramáticos. Las «comic strips» son ideales para la metáfora y el contrapunto dramático o irónico es una técnica usada frecuentemente. (p.8-9)

Estos recursos resaltan el hecho de que la «comic strip» no depende exclusivamente de la palabra o de la imagen sino de algún lugar entre ambas. Es lo que se conoce como el “matrimonio entre texto e imagen”. Las permutaciones entre ambas son prácticamente infinitas. En resumidas cuentas, las «comic strip» tienen su propia estética: son un lenguaje con su propia gramática, sintaxis y puntuación. No son un híbrido entre la literatura y el arte sino un medio por derecho propio.

No existe pues ningún motivo para confinar los cómics a un determinado grupo de edad. Al menos teóricamente, los cómics tienen el mismo potencial como medio de comunicación para adultos como para niños. (p.9)

SABIN, R. Adult Comics: An Introduction. Londres: Routledge, 1993.

Nota: Aunque he intentado mantener lo más posible la intención del autor (excepto en mis propios comentarios, claro), este texto no debe ser tomado como una cita literal, la traducción es algo libre y el texto ha sido resumido en función de lo que yo consideraba más importante.

SANT ANDREU DE CAP A PEUS, Septiembre 2010: MARIO FERNÁNDEZ

2010-06-27T00:34:00.011+02:00

Y todavía otra ilustración para la revista Sant Andreu de Cap a Peus. Esta no sé cuando saldrá pero ilustrará (aunque en blanco y negro) el reportaje sobre el base del Joventut, Mario Fernández y sus inicios en el equipo del SAFA Sant Andreu. Parece mentira que los dos hayamos sudado la misma camiseta (la del SAFA, claro). Con la suya, él emprendió el camino a una exitosa carrera deportiva mientras que yo con la mía... bueno, aprendí a cazar moscas... Sí, moscas! ¿Qué queréis? Yo jugaba de banquillo izquierda... En fin, que siempre es un placer, caricaturizar a un amigo.

SANT ANDREU DE CAP A PEUS, Julio 2010: UESA

2010-06-25T16:44:00.007+02:00

Aquí va mi segunda aportación para la revista Sant Andreu de Cap a Peus, esta vez con la Unió Esportiva Sant Andreu como tema. También podéis seguir la revista en facebook. Por cierto, que, siguiendo con la dinámica casi autobiográfica del último dibujo, la camiseta es la de la temporada anterior porque es la que me compré el día antes del último partido contra el Barça B... a pesar de que nunca me ha interesado demasiado el futbol! Espero que os guste.

LA VERBENA DE AURITA DINAMITA

2010-06-23T08:23:00.008+02:00

ATENCIÓN. Para todos aquellos que estén preparando la Verbena de San Juan: no os dejéis engañar! Debéis saber que, en realidad,lo que se celebra esta noche es... el cumpleaños de Aura Ruano!!! Bueno, de ella y de su alter ego, el azote de los supervillanos en general y de los cantantes malos y los vikingos con un alto concepto de sí mismos en particular, Aurita Dinamita. Así que esta noche, cuando estéis tirando petardos, explotando cosas o quemando contáiners, sabed que estáis rindiendo homenaje a...

FELICITATS AURA!!!

PEQUEÑOS EXPLORADORES

2010-06-21T21:56:00.008+02:00

Esta es una pequeña ayuda para un mural que tiene que preparar mi chica en el esplai en el que trabaja. Espero que les guste a los niños! En principio, no debería haber ningún problema... pero claro, a los críos de hoy les gusta Dora la exploradora...

... y yo odio a Dora la exploradora! Además, niños, si esa niña repelente y machacona se fuera a la selva vestida de naranja y rosa lo más probable es que atrajera tal cantidad de mosquitos que no tardaría ni cinco minutos en contraer la malaria, eso si no se la come otro bicho antes! Ala, ya lo he dicho!

LA VENUS DE BOUGUEREAU

2010-06-21T12:56:00.005+02:00

Bueno, esto ya es otra otra cosa. No había quedado muy contento con mi intento anterior de hacer una versión de un cuadro clásico para La puerta de Tannhaüser
.
Podéis ver el cuadro original del Nacimiento de Venus de William Adolphe Bouguereau aquí.
También me gustaría comentar que la página web bouguereau.net, precisamente una de las que consulté para hacer el dibujo, se ha hecho eco de mi versión de este clásico. podéis ver la reseña aquí. No os perdais la cantidad de versiones que existen!

COMICSARIAS (3/3)

2010-06-18T11:34:00.004+02:00

La ideología de las crisis

La instauración de la crítica acomodaticia, la que hablábamos en el post anterior coincide con lo que Remesar y Altarriba llaman Ideología de la crisis (p.139). Tras un exhaustivo análisis de las editoriales que se dedicaban (en exclusiva o no) a la historieta entre 1977 y 1987, los autores pasan a cuestionar la validez de un concepto (el de la crisis del cómic) que se había instaurado en la crítica de la época poco después del tan cacareado boom. El paso de uno al otro, dicen los autores a raíz de las afirmaciones de J. Toutain en la editorial del número 39 de Comix Internacional, se justifica por medio de la crisis económica general, que produce una pérdida de poder adquisitivo de los lectores de cómic y, por tanto, una crisis del sector en particular (p.160-161). A partir de aquí se desarrolla en dos fases (la creación de una imagen del mundo del cómic y la fase mítica) la ideología de la crisis.

La primera fase (1978-1982) consta de varios principios:

Remesar y Altarriba, matizan la existencia de un boom previo a la crisis por medio de lo que denominan principio del continuismo (p.167). “El único «boom» que ha existido es el del interés social, el económico es un invento, puesto que el mercado ha seguido un curso histórico que lo ha llevado a su situación actual.” (p.162) Al principio del continuismo habría que añadir el principio de la dependencia externa, es decir, el hecho de que la mayor parte de los autores españoles son considerados como tales por el hecho de haber triunfado fuera de nuestras fronteras (p.168). A partir de estos dos principios, Remesar y Altarriba formulan “el proyecto del cómic adulto”, que se basa en:
1. Recuperar para el mercado español a los autores que han triunfado fuera.

2. Recuperar a sectores del público adolescente y adulto cansado de la oferta.

3. Intentar que dicho público no se avergüence de leer cómic.

4. Convencer a dicho público de que existe un cómic mejor.

El tercer punto requeriría de un nuevo principio: el principio del misoneísmo, es decir, una cruzada conjunta (editores, autores, críticos y público) con tal de reivindicar el cómic como forma de expresión válida en vez de una subcultura desechable e infantil, lo que acabará desembocando, más adelante, en una especie de complejo de persecución (p.170). Para llevar a cabo esta reivindicación se apela a los conceptos de “cómic adulto” o “cómic de autor”, aplicando lo que Remesar y Altarriba denominan el principio del contenutismo: “Lo que diferencia una obra de autor, una obra adulta, de aquella que no puede considerarse como tal es la existencia de un contenido consistente (p.172).” La articulación de los principios anteriores tendría como resultado, según los autores, la “constitución de una imagen del mundo del cómic (p.173).”

La segunda fase (1983-1984) consta de varios mitos:

Mediante la “repetición sistemática de los argumentos e ideas” los principios básicos de la fase anterior se convierten en mitos. El complejo de persecución da lugar al mito del enemigo, el principio del continuismo da lugar al mito del cánon (existe una historia que marca las normas y debe ser seguida) y el principio del misoneísmo da lugar al mito del altruismo (aunque las editoriales pierden dinero ofreciendo un producto culturalmente más elevado siguen adelante con esta empresa con tal de no defraudar al cliente). A raíz de estos argumentos se genera además el mito del clan (lectores, editores, autores, etc. están juntos en la construcción de una historieta adulta). Si en la anterior fase se construye el proyecto, en la fase mítica se afirma que el “cómic-cultura, el cómic adulto” es ya una realidad (p.174).

Amparándose en la función del mito descrita por Lévy Strauss, según el cual su objetivo es el de proporcionar un modelo lógico simplificado para resolver las contradicciones, Remesar y Altarriba identifican una serie de contradicciones subyacentes a las que la ideología de la crisis pretende dar solución (p.179). La primera de ellas es la que se produce cuando el agente y el editor son una misma persona. El editor-agente la resuelve acusando la diferencia entre lo que puede hacer y lo que le gustaría hacer. Los historietistas se encuentran con una contradicción similar, la “disyunción entre lo que me gustaría realizar como historietista y lo que puedo realizar para entrar en el mercado como fuerza de trabajo (p.180)”. La tercera contradicción la sitúan en el público, que quiere romper con la estética y contenidos de los cómics populares pero rechazando las rupturas radicales con dicha estética y contenidos. Una cuarta contradicción se produce en el terreno de la crítica, es la existente entre la independencia y libertad de juicio por una parte y la posibilidad de profesionalización y acomodación en los soportes en los que debe aparecer por la otra (p.184).

“La resolución empírica de estas contradicciones lleva al fracaso [y al colapso del mercado editorial por lo que] (…) las contradicciones tan sólo pueden resolverse en el plano del discurso, de la ideología, del mito (p. 182)”. “En definitiva la función de la ideología de la crisis reside en mantener la situación tal y como está, pero con la apariencia de movimiento constante. (p. 184)”

Lo curioso del tema, afirman Remesar y Altarriba, es que, en contra de lo que pueda parecer, la crítica no sólo ha optado directamente por la profesionalización sino que es desde esta voluntad de profesionalización desde donde se ha construido toda la ideología de la crisis (p.185).

Es en esta situación en la que nace la tercera vía, una crítica independiente surgida desde la Universidad: la nueva crítica. El máximo exponente de dicha crítica, aunque no lo diga el libro, lo encontraríamos en la revista Neuróptica, dirigida precisamente por Altarriba.

LA POISON IVY DE VALPINÇON

2010-06-18T01:27:00.004+02:00

Nada, no hay manera. Estoy en bloqueo creativo. Esto es un intento fallido de ilustración para La Puerta de Tanhaüser. Basándome en una pintura de Jean-Auguste Dominique Ingres yo he hecho... bueno, esta cosa:

COMICSARIAS (2/3)

2010-06-14T22:04:00.005+02:00

Segunda parte: … y sus circunstancias

“Si nos remontamos a finales de los años sesenta, podemos comprobar, de modo parecido a lo que sucede con el cine, como la lenta revalorización de la historieta como medio expresivo, se halla indisolublemente ligada al replanteamiento de la problemática de las Ideologías que supuso la implantación del estructuralismo y de la semiología como modelos teóricos fuertes dentro del panorama de las Ciencias Sociales” (p.86)

Remesar y Altarriba creen en la importancia de los trabajos de investigación universitarios en la reorganización de la industria del tebeo. La atención dedicada a las historietas por parte de las Ciencias Sociales, una vez divulgada por los medios de comunicación y los maestros, crea un caldo de cultivo en el que crece un nuevo público que obliga a las editoriales a realizar profundos reajustes. (p.87)

Remesar y Altarriba repasan la bibliografía española sobre cómic constatando tres grandes tendencias:

Análisis de la ideología:

Busca demostrar la “importancia de una historieta concienciada que conecte con los intereses políticos, primero de los grupos de oposición al franquismo y posteriormente de algunas tendencias de la izquierda.” Por una parte permite una revalorización del autor mientras que por otra cae en el rechazo sistemático de la producción norteamericana, a la que tilda de imperialista. (p.88)

A finales de los setenta, a raíz de la crisis económica, el mercado internacional se tambalea. Muchas agencias que distribuían material español en otros mercados pasan a ser editoras “apoyándose en el prestigio internacional de algunos autores y sobre todo creando el mito del cómic adulto” (p.89) Remesar y Altarriba valoran muy positivamente de la implantación en el mercado español de propuestas que se alejen de la tradición humorística destinada a la infancia y la juventud (p.90) pero, en contrapartida, el giro editorial de las agencia demanda de una crítica más acomodaticia que el abiertamente anticomercial análisis ideológico. (p.91) Es lo que los autores denominan: la crítica acomodaticia.

Crítica acomodaticia:

Se producen operaciones de dos tipos para adecuar la crítica teórica a la nueva situación:

- Lexicalización del medio: «tebeo» e «historieta» son paulatinamente substituidos por los ingleses «comic-book» y «comic», las páginas pasan a ser denominadas planchas al modo francés. (p.91)

- Recontextualización del medio: consiste en “enmarcar la historieta en contextos más amplios y de mayor prestigio. La historieta era arte (…). Primero fue la literatura dibujada para acabar posteriormente en narrativa dibujada, concepto que hacía romper las amarras con la literatura para acercar peligrosamente el tebeo al cine” (p.91)

En este giro de la teoría pueden verse varias de las características del actual debate sobre el término de «novela gráfica». En general, se produce de nuevo una substitución terminológica (aunque no es aplicada a toda la producción sino a una parte selecta) de «cómic» a «novela gráfica» y con ella un regreso a la concepción de la misma como literatura dibujada. En mi opinión tan peligroso es acercar el tebeo al cine como acercarlo a la literatura. El cómic es un medio de expresión artística en sí misma y debe ser valorado por sus propios meritos. Acercarse a uno u otro medio artístico para impregnarse de su legitimidad me parece una mala estrategia a largo plazo. Aunque a las editoriales les convenga para colocar sus cómics en librerías no especializadas, opino que los teóricos deberíamos ser independientes (que no indiferentes) respecto a los intereses editoriales.

Otro de los puntos cruciales de la “crítica acomodaticia” es el denominado cómic adulto. Remesar y Altarriba citan el artículo titulado “Los dos reinos del cómic adulto” en el que Román Gubern distingue entre cómic infantil y adulto “justificando para este último en interés cultural necesario”.

En este punto haría falta definir qué es lo que se entiende por comic adulto. La crítica actual tiende a hacer uso de este término para referirse esencialmente al tipo de público al que se dirige. Pero, acaso no hay obras dirigidas a un público infantil que merezcan ser objeto de estudio? Es evidente que en otros medios artísticos menos acomplejados este debate resultaría totalmente absurdo. Acertadamente, Remesar y Altarriba distinguen entre dos vías posibles para llegar a la consideración de cómic adulto:

“La primera se refiere al nivel alcanzado en la utilización de los códigos del medio, independientemente de los contenidos que se transmitan. La segunda por el hecho de la existencia de un público que pueda considerarse adulto en el sentido más cultural del término y que legitime, por su consumo, un tipo de producciones sobre las demás.” (p.94-95)

Hasta aquí, no podría estar más de acuerdo con los autores y me permito posicionarme en la primera de las opciones. Con lo que no coincido es con la crítica que hacen Remesar y Altarriba a dicha opción. Para ellos “lo que define el cómic adulto [en el primer caso] es precisamente el abandono de los presupuestos innovadores que sobre el medio se hicieron a principios de los setenta.” En mi opinión vista de este modo, la madurez del cómic no está en absoluto reñida con la innovación o la constante búsqueda de nuevos recursos expresivos, al contrario.

Sin embargo Remesar y Altarriba consideran que el objetivo del reconocimiento cultural de la Historieta ya ha sido asumido gracias a la Universidad. “Al contrario de lo que sucediera en los años sesenta y principios de los setenta, la aparición de la historieta en la Universidad no responde a modas intelectuales (…) sino al planteamiento consciente por parte de diversos profesores de la importancia relativa de este medio en el contexto de las formas expresivas .” (p.113) En la actualidad, sin embargo la escasa implantación del cómic en la Universidad española se ve matizado por numerosas aunque aún excepcionales iniciativas, la mayoría de ellas propiciadas por lo que algunos denominan el segundo boom de la novela gráfica, lo que demuestra que dicho objetivo está aún por conseguir.

Remesar y Altarriba citan a P. Couperie, quien, en 1967, reclamaba el estatuto de arte para la historieta. Para que la historieta fuera abordada con la profundidad necesaria, debía ser enmarcada en el contexto más amplio de la Figuración Narrativa. Para ello se debía:

- Homologar la historieta con las producciones culturales que le son más cercanas. (p.123) Los autores citan, por ejemplo un fragmento de The World Encyclopaedia of Comics de 1976 en la que M. Horn afirma que “Los cómics son por naturaleza una forma literaria… [pero] están más cercanos al cine que a cualquier otra forma artística.” (citado en p.123). En el debate actual sobre novela gráfica, la tendencia es a homologarla con la literatura.

- Diferenciar la historieta de las formas de expresión artística que le son más afines. Este objetivo, a su vez, se persigue por dos vías diferentes:

- Histórica-sociológica: Esta tendencia parte de una reconstrucción histórica del medio para pasar más tarde al estudio monográfico de autores, líneas y tendencias (p.123).

- Semiología: Desde esta tendencia, con Gubern a la cabeza, se tratará de construir la base teórica del lenguaje de los cómics.

Según Remesar y Altarriba, ambas coinciden en un dogma central de la teoría del cómic que a los lectores de la crítica actual de cómic no resultará en absoluto desconocido: “La historieta es, antes que nada, relato, explicitación de historias; encadenamiento lógico de acciones; serie de acontecimientos cuyo criterio organizador es la secuencialidad temporal (p.123).”

En la crítica del modelo Histórico-sociológico también encontramos otro de los puntos en común entre la crítica acomodaticia por una parte y la crítica actual de la novela gráfica por la otra. Remesar y Altarriba citan la defensa de J. Coma de una teoría cahierista (según los parámetros de la revista de crítica cinematográfica Cahiers du Cinema) y, por lo tanto de la aplicación de la Teoría de autor al cómic.

Remesar y Altarriba critican duramente el modelo Histórico-sociológico, que tiene como conceptos básicos el comic adulto y el cómic de autor (p.131). “(…) este modelo se nos presenta como una continuación de los más frágiles, desarrollados por los aficionados de la década de los sesenta, y en cierta medida prolonga las funciones de catalogación imperantes en aquellos momentos y no tiene, en definitiva, otra función que la valoración de los productos, obras y autores en el interior del mercado. (p.133)” Afirman también que la figura del crítico asociado a una editorial (a menudo también guionistas, dibujantes o editores de dicha editorial) es especialmente conveniente para las editoriales ya que contribuye a la creación de un star-system del cómic.

D. Gómez

REMESAR, A.; ALTARRIBA, A. Comicsarias: Ensayo sobre una década de historieta española (1977-1987) Barcelona: PPU, 1987

COMICSARIAS (1/3)

2010-06-07T17:40:00.012+02:00

Introducción

Acertadamente, Remesar y Altarriba, en su ensayo sobre el cómic español entre 1977 y 1987, parten de la premisa de que la historieta debe ser estudiada en el marco de las industrias culturales y, en consecuencia, abordan el cómic como un «Sistema social» (p.15). Dicho sistema estaría compuesto por las siguientes macrounidades: Producción, Distribución, Consumo y Validación.

Primera parte: la historieta…

En el apartado dedicado al estudio del cómic los autores pretenden responder a las preguntas de qué nos dice el cómic y cómo lo hace (p.26). Para ello establecen una distinción básica entre «cómic anclado» y «cómic no anclado»:

- Cómic anclado: es aquel tipo de cómic que tiende al costumbrismo y el reflejo de una determinada situación social. Esto es posible ya que tanto el autor como el lector comparten una serie de referencias sobre las que se articula la narrativa. Sin embargo, al ser conocidos los referentes por el lector, los autores tienen cierta libertad a la hora de exponer su visión del mundo (también gráficamente). Por tanto, este tipo de cómic estaría especialmente dotado para la sátira o la denuncia (p.28-29).

- Caricatura social: “La capacidad de la imagen de plasmar al mismo tiempo que distorsionar han alimentado la tradicional vocación del cómic por la caricatura y la sátira social.” (p.42) Este tipo de historieta está basada en la exhibición, testimonio o denuncia de un estado de cosas o de ánimo. (p.43)

- La difícil integración social: este subapartado consiste en las historietas orientadas temáticamente hacia el mundo de la marginación social y el crimen. Afirman los autores que gráficamente se caracteriza por un uso muy contrastado del blanco y negro y un cierto expresionismo. (p.45)

- La expresión de los estados anímicos: Relatos intimistas en los que prima la expresión personal y la descripción de los estados de ánimo sobre la acción y, por tanto, de los valores connotativos sobre los denotativos. Tienden al virtuosismo formal. (p.45-46)

- Las fábulas fantásticas: Parte de firmes anclajes en la realidad cotidiana en los que acaba incluyendo elementos fantásticos. (p.47)

- Cómic autonímico: Este tipo de cómic lleva hasta las últimas consecuencias la estrategia de la aventura de segundo grado y dirige su refexibidad hacia el propio medio en una suerte de metalenguaje. (p.48)

- Cómic no anclado: es aquel tipo de cómic orientado hacia la aventura (trascendente, exótica o fantástica) y, por tanto, hacia la evasión y el entretenimiento. Paradójicamente, tiende a un enfoque realista basado en las convenciones figurativas tradicionales, pues los referentes no compartidos con el lector deben ser explicados (p.29-30).

- Cómic de aventuras: Además de las características del cómic no anclado, hay que añadir que es el que mejor resiste la fragmentación de la narración. En España, dos géneros destacados en éste subapartado fueron la ciencia ficción y el relato negro (p.31-32).

- La aventura en segundo grado: Se distingue por la distancia entre el autor y el relato, de manera que admite un segundo nivel de lectura. El autor busca la complicidad con el lector por medio del guiño o la referencia compartida, “juega con los códigos y consigue resaltar la convención” (p.38).

- El cómic con anclaje en las referencias: se caracteriza por la distancia crítica adoptada por el autor en lo que se refiere a sí mismo, el entorno y las convenciones del medio y, en consecuencia, una cierta intelectualización. (p.42).

En la mayoría de casos, matizan los autores, estas categorías no se encuentran en un estado puro sino que la mayor parte de la producción reúne rasgos de diferentes categorías.

Remesar y Altarriba integran diferentes criterios en la clasificación del cómic español desde finales de los setenta a finales de los ochenta. La distancia crítica entre el autor y el medio, el entorno o incluso, consigo mismo; el género; la temática; la realidad o la ficción, etc. se solapan en diferente grado a lo largo de la clasificación. Otro de los problemas de la clasificación es la idoneidad de dichos criterios para ampliar el estudio a otros lugares y épocas. La distancia entre los referentes del autor y de los lectores, que constituye la base de la distinción entre cómic anclado y no anclado, no puede aplicarse directamente en la actualidad sin tener en cuenta, por poner sólo un ejemplo, la combinación de sistemas se referencias locales y globales.

REMESAR, A.; ALTARRIBA, A. Comicsarias: Ensayo sobre una década de historieta española (1977-1987) Barcelona: PPU, 1987

SANT ANDREU DE CAP A PEUS, Junio 2010: ÀREA VERDA

2010-05-29T17:17:00.012+02:00

He vuelto al dibujo en prensa. A partir de este mes publicaré en la revista Sant Andreu de Cap a Peus, que celebra este año su treinta aniversario. Aquí está mi ilustración para el número de Junio. El tema: la imposición del área verde en el barrio de Sant Andreu. Como tiene que ser impresa en la revista, para esta ilustración he utilizado un estilo menos pictórico, y con perfil fino al estilo del cómic franco-belga de línea clara... y sí, el del dibujo soy yo... y también, el coche es el mio.

* A este paso, no podremos ni caminar sin pagar!

HOMENAJE A FRANK FRAZETTA

2010-05-27T01:21:00.005+02:00

Hoy, siguiendo la propuesta del blog La Puerta de Tanhaüser, quiero rendir homenaje al fantástico ilustrador Frank Frazetta, fallecido el pasado 10 de mayo. Descanse en paz, o mejor, rodeado de guerreras, vampiresas y bárbaros.

El original de Frank Frazetta aquí.

TUTORIAL PARA PERSONALIZAR ZAPATILLAS

2010-05-15T20:47:00.026+02:00

Hoy una cosa diferente, un pequeño tutorial para personalizar zapatillas en 10 cómodos pasos. No soy ningún experto, de hecho, es mi primera experiencia personalizando unas zapatillas pero al menos podéis aprender de mis errores.

Material:

- Zapatillas

- Lápiz, goma y papel para los bocetos

- Lápiz pastel

- Cinta de carrocero

- Scotch-Brite

- Pinceles variados

- Reserva para acuarelas (Schmincke Rubbelkrepp)

- Pintura para tela (Pebeo Setacolor opaque)

- Secador/plancha

1. Comprar unas zapatillas. Si, como es mi caso, es vuestra primera experiencia os aconsejo que compréis unas zapatillas baratas. Las Converse cuestan alrededor de 60€. No sé cómo andáis vosotros de confianza en vuestras aptitudes pero yo no me arriesgaría a tener que tirar 60€ a la basura. Yo me pillé unas Victoria por 32€, así que supongo que tengo una mediana confianza en mi mismo. Supongo también que se pueden pillar unas zapatillas que ya tengas por casa y darles una segunda vida.

2. Diseño. Antes de sacar las pinturas y los piceles es aconsejable saber qué es lo que se quiere hacer. Yo he optado por un diseño sencillo por ser la primera vez pero las posibilidades son ilimitadas.

El maravilloso mundo de google te puede dar una gran variedad de ideas que luego puedes adaptar a su estilo personal.

3. Photoshop. Con la ayuda de Photoshop puedes hacerte una idea más aproximada del resultado final. Si, una vez hecho piensas "Oh! Voy a ser todavía más molón, si cabe!" puedes pasar al siguiente paso. Si no, vuelve al paso 2.

4. Dibujar las zapatillas: A veces el dibujo de tu vida llega cuando no tienes a mano más que el papel de water y luego, cuando intentas pasarlo a una superficie más digna no hay manera de recuperar aquella chispa que hacen de esos cuatro trazos una obra de arte. Por eso, tómate tu tiempo con éste paso. Para pasar el dibujo a las zapatillas puedes utilizar un lápiz blando (claro para las zapatillas oscuras y oscuro para las claras). Yo he utilizado un lápiz pastel azul cielo y funciona muy bien.

5. Cubrir las partes que no deseas pintar: Puedes utilizar cinta de carrocero para las partes de goma. Recuerda que tendrás que quitarlas antes de aplicar calor sobre la pintura si no quieres que te quede toda la goma pegajosa... En serio, me ha pasado.

Para los detalles más pequeños como las arandelas metálicas por las que pasan los cordones, la reserva para acuarelas funciona requetebién. Si alguien lo quiere probar también en la parte de goma que nos cuente su experiencia.

6. Base: Al ser una zapatilla oscura, el primer paso es dar una capa de blanco a la zona que queremos pintar. Ojo, sólo a la zona que queremos pintar! Dar el brochetazo y luego pintar en negro encima es una cutrez. La capa blanca es uno de los pasos más importantes porque no todas las pinturas para tela tienen la misma opacidad. El amarillo, por ejemplo es bastante transparente (esto también lo descubrí demasiado tarde). Asegúrate que la silueta de tu dibujo quede perfectamente blanca.

7. Color: Una vez seca la pintura blanca, puedes empezar a darle color. Es mejor empezar por los colores más claros. Si quieres hacer un degradado, como es mi caso, la parte de espuma más suave del Scotch-Brite te puede resultar muy útil. Una vez terminado hay que dejar secar la pintura antes de planchar. Cuendo esté seca puedes (debes) quitar la cinta de carrocero.

8. Planchado: Las pinturas para tela Pebeo Setacolor opaque se fijan aplicando la plancha durante 5 minutos. Como podéis imaginar, planchar una zapatilla tiene su complicación. Hay que ir con mucho cuidado de no aplicar la plancha sobre las partes de goma y tener la precaución de poner un pañuelo de tela entre la pintura y la plancha. Un secador de pelo también puede ser útil para acabar de dar calor a las zonas más inaccesibles o cercanas a la goma.Cuidado también con la marca de la parte interior de las zapatillas. Algunas (como las Victoria) se funden con la plancha... y además huelen muy mal.

9. Chapuzas y toques finales: Si, como yo, te has olvidado de quitar la cinta de carrocero (mira que te he avisado!) tendrás que limpiar bien la goma para que no se llene de mierda al primer paso. También puedes encontrar algunos cordones a juego para darles a tus zapatillas el toque final. Yo he encontrado unos cordones amarillos que me van que ni pintados (aunque es posible que los pinte para darles un degradado a rojo por las puntas). Finalmente, si quieres dar un acabado brillante, puedes barnizar el dibujo de las zapatillas. Yo he utilizado barniz acrílico brillante Talens pero si alguien sabe de alguno que sea específico para ropa o que proteja mejor el dibujo, que lo diga. Soy todo oídos.

10. Enseñarlas al mundo: Este es el paso más importante de todos. Sal a la calle y demuestrale al mundo lo chachis que son tus zapatillas... y si te preguntan quién te enseñó, mándalos a este blog.

DISTINGUIDO SR. CÓMIC

2010-05-13T13:03:00.008+02:00

Esta es una reseña que he escrito para la revista "Tripodos" de la Facultat de Comunicació Blanquerna.

GARCÍA, Santiago. La novela gráfica. Bilbao: Astiberri, 2010

Santiago García, estudioso, guionista y traductor de cómics, es el autor de La novela gráfica, un ensayo en el que reinterpreta la historia del cómic en busca de los antecedentes y posterior evolución de éste controvertido concepto. El punto de partida del ensayo es especialmente significativo. García abre su estudio con un hecho: que Maus de Art Spiegelman fuera galardonado con el premio Pulitzer en 1992 “a pesar de ser un cómic” (p.21). Este hecho es relevante ya que, según el autor, Maus (el “alfa y el omega de la novela gráfica”, como llegaría a describirla en una entrevista) propicia el inicio del reconocimiento del cómic como forma de arte adulta.
A lo largo del recorrido histórico, que va desde los primeros bocetos de Töpffer, en 1827, hasta las más recientes publicaciones, García va sumando hitos en el desarrollo de las principales características de la novela gráfica, hitos que son consolidados o bien olvidados para ser recuperados más tarde, pero que trazan una clara línea de progresión hasta la aparición de la “novela gráfica”. El tratamiento del Holocausto en Master Race (1955) de Bernard Krigstein, al que llama el “primer artista” del cómic (p.117); el acercamiento a “verdad” por medio de la documentación en los cómics editados por Harvey Kurtzman; la recuperación de los temas adultos y el rechazo a la industria por parte del Comix Underground de los años sesenta, o el descubrimiento de la autobiografía como “antigénero” por oposición a los superhéroes en el cómic alternativo (p.190), por poner algunos ejemplos, se convierten en los escalones de ascenso a la madurez.
Aunque escudado en la definición del objeto de estudio en tanto que “objeto social”, la tesis que defiende García a lo largo de todo el libro es que la “novela gráfica” supone la esperada consagración del cómic como cultura, es decir, la culminación de un largo camino hacia una madurez en la que los autores son por fin capaces de desprenderse del público infantil y juvenil para desarrollar temas serios de una forma profunda y compleja, temas preferentemente relacionados con la verdad y la memoria (histórica o autobiográfica). La novela gráfica, siempre según García, se definiría pues en contraposición con el “comic book”.
En la otra esquina del ring dialéctico, por tanto, encontraríamos al viejo “comic book”, un producto de consumo masificado, barato y desechable, constantemente atado a los intereses de la industria editorial, poblado principalmente por superhéroes y otros personajes prototípicos de las ficciones de género. Heredero de una tradición que surge con las tiras de prensa de Outcault (el creador del “Yellow Kid”), el “cómic book” entronca con la utilización del modelo narrativo de continuidad de Hollywood, que inició Caniff en Terry and the pirates. Por tanto, según el autor, se habría alejado de la literatura entrando de lleno en el terreno de la cultura de masas.
La novela gráfica es un trabajo riguroso y bien documentado, con un muy bien hallado equilibrio entre lo científico y lo divulgativo. Sin embargo, está profundamente lastrado por unas premisas más que discutibles. Aunque no hay duda de que las afirmaciones de García son al menos tan bienintencionadas como las de Will Eisner, cuando afirmaba que el cómic es literatura (citado en García p.25), opino que la reivindicación de un determinado movimiento (definido prácticamente como negación de la tradición hegemónica del cómic) es quizás una de las peores estrategias posibles a la hora de reivindicar una forma de arte.
Por otra parte, aunque el autor afirme en varios momentos que no quiere establecer una jerarquía entre el “comic book” y la “novela gráfica” leyendo el ensayo de Santiago García se hace francamente difícil no acabar dándole la razón a Manuel Barrero cuando afirma que “esta postura elitista genera un gradiente valorativo que puede desembocar en la diferenciación de categorías de destinatarios (público cultivado vs. público inculto)” (p.35). Ejemplo de ello es que Santiago García coincide con varias de las tesis profundamente elitistas de Jean-Christophe Menu, principal ideólogo de L’Association al que cita en no pocas ocasiones y para quien el cómic es una forma artística retrasada respecto al arte y la literatura (p.274). Afirma García que, si esto es así, el cómic debe estar ahora mismo en el nivel en que se encontraban el arte y la literatura en 1910-1920 (p.274)
Salvando las distancias, La novela gráfica, me recuerda en ocasiones a las proposiciones perpetradas por Ramón de España y Ignacio Vidal-Folch en El canon de los cómics, obra en la que llegaban a recomendar una selección de obras que “no desmerecerá del nivel de su biblioteca general de grandes obras de la literatura universal.”
Quizás, como se ha comentado en algunos foros, la mayor virtud de La novela gráfica sea la de estimular el debate entre teóricos, los autores de cómic.

INTERNATIONAL GRAPHIC NOVELS & COMICS CONFERENCE

2010-04-15T14:43:00.009+02:00

Esta es mi participación en el pasado congreso INTERNATIONAL GRAPHIC NOVELS & COMICS CONFERENCE celebrado en la Manchester Metropolitan University.

Presentación:

(1)Genre: Is Watchmen a superhero comic book limited series?
(2) As usual, Alan Moore’s comics begin with an inter-textual reference, a quote from a genre, work, character or motif.
(3) Inspired by the superhero parodies of the MAD magazine, Alan Moore takes the Charlton characters and puts them into a realistic world. However, his parody has not a comical intention but dramatic.
(4) The application of the real world logic to the superhero characters has it’s consequences on the conception of their morals. Alan Moore shows the human side of the masked adventurers, their mediocrity and dysfunctions.
However, today I’m going to leave aside these questions to talk about the world as shown in Watchmen and it’s relation with the social and political context in our own world.
By studying this process we can observe how, as well as complying with the minimum pre-requisites of a superhero comic, Watchmen also fits with the logic of science fiction.
Some of the most accepted definitions describe science fiction as a genre that explores the possibilities of a scientific novum. Behind this narrative principle what science fiction is really talking about is our own world. That’s why Darko Suvin talks about the literature of cognitive estrangement refering to science fiction.
(5) Watchmen has several references to the American science fiction of the fifties. Films such as Things to come, The day the Earth stood still, This island Earth or (6) the chapter “Architects of fear” from the series Outer Limits not only are cited in the comic book series but inspire the Veidt’s master plan.
Beyond the specific quotations to the genre that can be found in the comic, the appearance of the superheroes (specially Dr. Manhattan and the Comedian) works in this narrative as the “novum” from which an exercise of speculation is carried on based on the question “What if..?”
(7) In Watchmen also can be found several cites to the Hiroshima atomic bomb such as (8) the graffiti silhouettes all over the city and (9) the cover of Time Magazine commemorating Hiroshima Week.
(10) The main motif of Watchmen is no other than the blood-stained smiley that can be read as an announcement of the end of the innocence in the superhero genre.
(10.1) The blood-stained also refers to the position of the hands of the Doomsday Clock and therefore the nuclear danger so the main motif of Watchmen is the best example of the generic hybrid nature of the series.
As we will see, Watchmen is a late recreation of the American science fiction of the fifties, and more specifically those stories that agreed with the warnings of the Federation of Atomic Scientist. As science fiction stories did before, Watchmen warns of the danger of a nuclear confrontation between the US and the U.S.S.R.
Alternative history: the narrative structure in Watchmen
(11) By placing the emergence of the “Novum” in the past and developing the resulting changes from that point with flashbacks to reach an alternative present Alan Moore recounts a counterfactual history.
(12) Although the influence of the Minutemen in American politics is limited, the presence of superheroes changes the developing of US history in a particular way. One can situate the beginning of the divergences in the participation of Dr. Manhattan in Vietnam War with the subsequent American victory.
Before that, superheroes do participate in the politic sphere but do not produce substantial changes on it.
(13) The suggested involvement of the Comedian in the Kennedy assassination, for example, does not have a different outcome to the history of our world. However, as we will see, it’s very important in the construction of the ideological message of the comic.
Most of the changes in the American history are motivated by the necessity of maintaining Richard Nixon as United States president.
(14) Nixon secures his re-election in 1972 presidential elections by sending Dr. Manhattan to Vietnam.
(15) The only allusion to the long shadow cast by the American defeat in our world, known as the “the Vietnam Syndrome”, is the Comedian’s scar and words at the end of the conflict.
The comedian is defined by Alan Moore as the personification of CIA’s dirty tricks but with one significant difference: he’s always successful.
(16) The Comedian is the most important character in the prolongation of Nixon’s presidency. He, supposedly, kills Bob Woodward and Carl Bernstein avoiding the Watergate scandal that made Nixon looses this presidency in our world.
(17) In our world one of the main reasons of the defeat of Jimmy Carter against Ronald Reagan was his management of the Hostage Crisis in Iran. In Watchmen, unlike the disastrous rescue mission attempted by Carter, the Comedian is able to break into the US Embassy in Iran and bring back the hostages.
(18) The Comedian also takes part in history overthrowing the Sandinista regime in Nicaragua avoiding a scandal that could have toppled Ronald Reagan: the Iran-Contra affair, also known as Irangate.
(19) In summary, the Comedian’s role is mainly to keep Nixon in office in those situations where the presidents that followed him in our world were dismissed. However, if we observe more deeply we will see that the long term consequences of the historical facts the Comedian avoid are not considered in Watchmen.
(20) In our own world the defeat in Vietnam War and the failure on rescuing the Iran hostages supposed a great discredit of the army. The confidence in US Army was not totally recovered until the Reagan’s severe actions in Central America such as the invasion of Grenada.
The Watergate scandal also supposed, between 1974 and 1976, deep investigations in the methods of the intelligence agencies. Several covered actions and conspiracies became too light with the subsequent dishonour. (Conspiracies such as the attempts of killing Fidel Castro, Lummumba, Rafael Leónidas Trujillo, the use of involuntary human guinea pigs, the secret scouts, etc. These are just a few proved examples.) That’s why the conspiracy theories such as those about Kennedy’s assassination or the Roswell incident were so popular in the late seventies and eighties. As we will see, Alan Moore participates in some of them to build his ideological message in Watchmen.
(21) Once could argue that the successful US outer politics in the comic and the Dr. Manhattan endorsement would cause a more interventionist policy and would make the detente process almost impossible. But, as we will see, the situation in the comic’s present has a lot of points in common with the political context when Alan Moore wrote it.
We can conclude that the alternative history in Watchmen does not diverge progressively from our world but runs parallel to it. Once could find a reason in the ideological message of Watchmen.
Ideological message: Watchmen as the last recreation of Cold War’s science fiction.
(22) Alan Moore himself said once: “I also wanted to write about power politics. Ronald Reagan was president. But I worried readers might switch off if they thought I was attacking someone they admired.
(23) So we set Watchmen in a world where Nixon was in his fourth term — because you're not going to get much argument that Nixon was scum! For me, the '80s were worrying. ''Mutually Assured Destruction.'' ''Voodoo economics.'' A culture of complacency... I was writing about times I lived in.”
(24) As we have seen, one of the main roles of the science fiction, as defined by Darko Suvin, is to talk about our own world. The ultimate goal of Watchmen is not to take the superheroes presence in our world to the ultimate extreme but to explain, from the author’s point of view, the state of the world at the time it was written.
Watchmen is a fierce criticism of the Ronald Reagan politics. When Reagan took office the détente process definitively came to end. The Reagan rhetoric during the first and much of the second part of his term of office became markedly war-mongering and the US defence budget was increased without any restrictions. The US Government strutted about the development of the Strategic Defence Initiative.
In summary The Soviet Bloc had reasons to believe that the US was preparing to launch a pre-emptive strike. After the Euromissiles Crisis, Europe had reason to believe that in case of nuclear exchange, it would take place in European territory. Watchmen is a reflection of European fears arising from this situation.
(25) Just as the Comedian was the personification of the CIA, Dr. Manhattan can be read as the personification of the Strategic Defence Initiative as he is supposed to be capable to provide US with a defensive shield which can stop the 60% of the soviet missiles.
(27) Note that, in Watchmen, the US refuses to negotiate about Dr. Manhattan at the Geneva Conference just as they did with Strategic Defence Initiative in our world.
(27) Although the evolution history in Watchmen could have generated radically different context to that of our world, the nuclear missiles situation in Watchmen is also a reflection of the situation generated by the Euromissiles crisis.
(28) The authors criticise the openly provocative attitude of President Reagan and his excessive confidence in a system designed to ensure US strategic superiority, warning that the risk is Mutually Assured Destruction or M.A.D.
(29) In short, Watchmen is a comic that reflects a very specific time and political context: the particularly tense period between the end of détente and the end of the Cold War.
The pressure to which the Soviet Union was submitted, with an economy which was unable to support an arms escalation on that scale, especially the development of a defence system such as the Strategic Defence Initiative, caused a rapid and unexpected end to the Cold War.
Watchmen was written just before that happened, when the tension between the US and the Soviet Union had just passed its peak and the talks between the superpowers had not had any outcome, with the US refusing to include the Strategic Defence Initiative in any arms control agreement.
(30) Watchmen was in many aspects the heir of science fiction of the mid-twentieth century, and became one of the last accounts that, applying the logic of the genre, dealt with the Cold War as it happened. (31)

Watchmen in context: INTERNATIONAL GRAPHIC NOVELS & COMICS CONFERENCE

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GENGHIS REX

2010-04-06T23:55:00.005+02:00

Por fin! Éste me ha costado. Con tanta escama, al final el que ha quedado escamado del dibujo he sido yo. Antes que nada: Recordáis esta serie?

Si? Pues aquí tenéis mi versión de Genghis Rex, el malo de Dinosaucers.

Claro que, si éste es Genghis Rex... prefiero no pensar en cómo se imaginaban los creadores de la serie a Genghis Khan.

AVANCE GENGHIS REX

2010-04-03T01:04:00.004+02:00

Bueno, como es un poco laborioso y estoy tardando bastante en acabarlo, voy a colgar un avance del próximo dibujo. A ver si alguien adivina de qué se trata. ヅ

No? Está bien. Voy a dar otra pista.

Aquí va el boceto a lápiz en el que me basé para hacer la ilustración. Hay que ver lo que cambian después las cosas con un poco de Flash y Photoshop!

LAS HIJAS DEL ESPEJO

2010-03-27T02:25:00.003+01:00

Próximamente en Taquiones lejanos: La primra parte de Las hijas del espejo.

Espero que lo disfrutéis!

SUPERMAN MEETS ATOM ANT

2010-03-21T14:24:00.004+01:00

Recupero la serie de "Crossovers imposibles" con este peculiar encuentro. Superman y la Hormiga Atómica!!! He intentado un estilo algo más pictórico y con más volumen de lo que acostumbro. Vosotros diréis si lo he conseguido.

CRIATURES

2010-03-14T18:06:00.005+01:00

Bueno, no es exactamente un dibujo. Aquí os presento el cartel y el programa de mano de la obra en la que debuta la Companyia de teatre No'm Tapis! y por tanto debuto yo como actor! :S

Si queréis más información podéis consultar en Facebook o en el blog de No'm Tapis!

TOT RESOLT

2010-02-28T23:05:00.005+01:00

Caray! Hacía una barbaridad que no actualizaba! Demasiadas cosas en la cabeza... en fin, aquí la portada/cartel de mi primera obra de teatro!

TAQUIONES LEJANOS: INMINENTE INAUGURACIÓN

2009-09-06T18:43:00.006+02:00

¡Por fin! Después de todo el verano de sequía he vuelto a dibujar! Ya vuelvo a ser un hombre completo. ¡Dios, cómo lo echaba de menos!
En breve inauguraré Taquiones lejanos , un nuevo blog que estoy haciendo en colaboración con mi buen amigo Eduargo Gil. En él encontraréis relatos de ciencia-ficción firmados por él e ilustrados por mi. ¡No os lo podéis perder!

De momento os dejo aquí la ilustración que acompañará la primera entrada, nuestra Declaración de intenciones.

MARC PARROT

2009-08-15T10:26:00.012+02:00

Marc Parrot es un tipo listo y mola! Esta caricatura la hice cuando sacó Mentider en el 2005 y sigue un poco la idea central del diseño del disco.

LIBER

2009-08-12T10:16:00.013+02:00

Hace un tiempo realicé una ilustración para el capítulo de un libro que Eugenio Rey Huertas escribió para sus padres. Nótese la particular versión de San Eugenio

La verdad es que colectivamente fue un esfuerzo titánico tanto por el autor como por la gran cantidad de ilustradores que participamos... Aquí el autor felizmente retratado con su voluminosa creación: http://eugenior.blogspot.com/

EL HERRERO ENAMORADO

2009-08-11T09:41:00.002+02:00

Es un misterio cómo semejantes manazas pueden hacer algo tan delicado...

EL ZOO D'EN PITUS

2009-08-10T21:49:00.004+02:00

Ilustración realizada en 2006 para una exposición itinerante conmemorativa del 40 aniversario de la publicación del libro de Sebastià Sorribas (ilustrado por Pilarín Bayés).

Seguro que mis compañeros del SAFA reconocerán la biblia.
Seguro que mis compañeros del Bosco reconocerán la nariz del cura.

HUMOR

2009-08-09T10:22:00.014+02:00

Algunas viñetas del año de la catapún:

Una picante:

Una fácil (siempre es fácil criticar a Sarcozy):

-Parece que este año las luces de navidad han empezado antes.

Una que me trajo problemas:

Programa de rehabilitación de fachadas de Foment de Ciutat Vella S.A.
- El edificio verde y el rosa juntos quedan feo
- ¿Cuál derruimos?

Una envenenada:

- Dame la casa,bájate los pantalones y te pedonaré que hayas caído en mi hotel.
- Pero si yo no quería...
Sólo es un juego

Una de pensiones:

- Hoy he ido a cobrar la pensión. me han dado un billete de cinco del Monopoly y se han reído de mí.
- ¡Qué suerte! ¡El mío sólo es de uno y ni siquiera se han reído!

Una conclusión a cuatro años de periodismo:

-Yo seré el miedo
de los poderosos, la voz
del pueblo, el cuarto poder.
A veces leer entre líneas quiere decir leer línea por línea.

LES CRÒNIQUES DE ZemòG

2009-08-04T10:14:00.010+02:00

Hoy os explicaré la triste historia de un chico que hacía una tira cómica en una revista. La revista era Nova Ciutat Vella, la tira era Les cròniques de ZemòG y el chico, claro, era yo. Me pasé más de un año (junio 2005-febrero 2007) explicando las aventuras de un extraterrestre que havía aterrizado en la Plaça Catalunya de Barcelona con la misión de conquistar la tierra pero que se había acostumbrado a la vida en el Raval. Estos son algunos ejemplos:

- ZemòG, Informe de la situación de la misión en la Tierra.
- Habrá que ajornar la destrucción de la humanidad. La aniquilación de los mosquitos es mucho más urgente.
- Pero... Si los mosquitos no son ninguna amenaza!!!
- Créame... Lo son.

- Oh! Jackie [Chan]... Nadie me hace soñar como tú

- No soporto el ego de los artistas

No me pareció una idea excesivamente original, de hecho me basé en Sin noticias de Gurb, de Eduardo Mendoza, y el bicho verde tampoco es que fuera un portento de la imaginación pero lo que no podía prever de ninguna manera es que un día, paseando felizmente por la fnac, me encontraría con BOK de JMV (que como podéis imaginar era, hasta el momento, totalmente desconocida para mi).

"¡Leches!" pensé. "¡Son iguales!" El bicho bajito, verde y sin nariz, la antenita acabada en una bola en la cabeza (que se utiliza también en la "o" del título)... ¡¡¡hasta fonéticamente se parecían!!! Sólo había una diferencia importante: BOK era mucho más gracioso. También llevaba muchísimo más tiempo publicándose que la mía así que no tuve más remedio que dejar de publicar mi tira, cruzar los dedos y esperar que nadie se diera cuenta de mi "plagio" involuntario.

En fin... dicen que las ideas no pertenecen a las personas, que la ideas pertenecen a un tiempo determinado, que van flotando por el aire y si no las recoge uno las recogerá otro. Pues bien, la próxima vez que cojan una idea... ¡¡¡QUÉDENSELA Y NO LA DEJEN FLOTANDO OTRA VEZ!!!

TIEMPO

2009-08-03T20:42:00.004+02:00

Hoy rescato una de mis primeras experiencias con las acuarelas en el lejano abril de 2003. Hice este dibujo para la revista Nova Ciutat Vella, con la que colaboré durante varios años. La experiencia, aunque con altibajos, fue agradable y me obligaba a dibujar regularmente... aunque muy pocas cosas de esa época son rescatables.

Hay que ver lo poco que me gustaba la perspectiva!

TINTÍN, ESTÁS AVISADO

2009-08-01T10:01:00.004+02:00

Sigo quitándole el polvo al archivo. Hoy un dibujo que hice para la exposición "Tintín Sentit a Barcelona". En realidad nunca me ha gustado demasiado el personaje de Tintín. Creo que sólo tiene dos expresiones: normal y pensando. Así que decidí forzarlo un poquito para que expresase algo más... aunque fuera a costa del perro. La vida es dura, Tintín... estás avisado.

PD. Esta va por Leo, que sé lo que le gusta este dibujo.

GAFITÁN CARPIO

2009-07-31T21:18:00.004+02:00

Sigo recuperando algunos dibujos viejos mientras no tenga tiempo para dibujar cosas nuevas. Hoy os presento una versión de Peter Pan que hice hace tiempo. Está demasiado cargado de tecturas de photoshop pero me gusta cómo me quedó Hook.